Натюрморт на пленере
Условия работы на пленэре отличны от условий занятий в мастерской. Привычное комнатное освещение, при котором натура имеет более или менее постоянное освещение, уступает место совершенно новым, необычным условиям.
В мастерской, как правило, освещение одностороннее, на воздухе свет рассеянный, создающий активную световую среду, где цвет обогащается массой живых и подвижных рефлексов. В результате обилия света теневые части предметов и падающие тени видятся также цветно и прозрачно, что придает особую привлекательность живописному этюду. Кроме того, разнообразные состояния освещения — солнечное, пасмурное, вечернее — создают необычайно богатые возможности для изучения цветовых отношений, колорита.
В условиях пленэра можно довольно легко и интересно подобрать объекты изучения, используя для этой цели разнообразные предметы домашнего обихода, естественные мотивы. Живые полевые цветы, домашние предметы, натуральные фоны — старый, поседевший от времени забор, выгоревшая и вымытая дождями стена дома, наконец, открытое пространство пейзажа — все это дает богатый материал для упражнений в живописи.
Чтобы полнее освоить основы живописной грамоты, особенности колорита, следует разнообразить постановки, изменяя условия освещения: солнечное освещение создает совершенно иную цветовую гармонию и ставит совершенно иную живописную задачу, чем натюрморт, поставленный в тени.
Рассмотрим ряд примеров.
Натюрморт А. Лентулова «Овощи» написан при солнечном освещении, на фоне южного пейзажа с грядой снежных гор на линии горизонта.
Группу составляют овощи, положенные на дощатый стол-времянку: кочаны свежей, только что срубленной капусты, корнеплоды, баклажаны, перец. На переднем плане — светло-желтая бочка, на днище которой поставлен крупный глиняный поливной жбан. Яркое солнечное освещение, ясные чистые краски сообщают натюрморту очень свежее, теплое настроение. Солнечный свет заливает всю группу светлым, прозрачным, чуть холодноватым тоном.
Отметим особенности солнечного освещения и принципы разработки его в натюрморте.
Сильный поток световых лучей, как правило, высветляет цвет, делает его малонасыщенным.
К особенностям солнечного освещения следует отнести также четко выраженную холодность собственных и падающих теней, окрашенных отраженным цветом неба. Вместе с тем, внимательно присмотревшись, мы отметим, что эти участки изображения лишены однородности холодной окраски: в них непременно обнаруживаются теплые рефлексы от окружающих предметов.
Разбор таких оттенков-всплесков, возникающих в результате сложного влияния на окраску предмета освещения и рефлексов от окружения, создающих особую, присущую только живописи на воздухе легкость, прозрачность, и составляет одну из главных задач живописи на пленэре.
Живопись на открытом воздухе связана с состоянием погоды и временем дня, когда пишется натюрморт. В зависимости от этих условий меняется и колористический строй этюда. В солнечный день, как уже говорилось, живопись контрастная, с резкими тенями, в пасмурный день или в тени, напротив, форма предметов становится смягченной, светотень мягкой, рассеянной, цвет насыщенным.
Особенностью постановки в тени или в пасмурный день, когда солнце закрыто облаками, является то, что общий цветовой тон приобретает холодноватый серебристый оттенок, который зависит главным образом от окраски неба и окружающих предметов. В частности, если натюрморт поставлен в тени зелени кустов, он принимает на себя два определяющих весь цветовой строй натюрморта оттенка: цвет неба и цвет зелени.
На полотне А. Пластова «Лето», где в тени деревьев расположились на отдых девочка и женщина с корзинами грибов и кувшином, полным спелой земляники, отчетливо видна эта закономерность.
Холодный серебристый оттенок присутствует на всех обращенных к нему поверхностях.
Примером натюрморта, написанного в пасмурный день, может служить натюрмортная часть другой картины А. Пластова — «Жатва».
Рассмотренное свойство живописи — передавать состояние дня помогает художнику в решении смыслового содержания тематической картины.
Большой интерес в этом плане представляет работа А. Пластова «Ужин тракториста», где натюрмортная часть картины выполняет важную роль в раскрытии сюжета произведения. Она представляет несомненный интерес и в методическом плане как пример живописи натюрморта в условиях освещения вечерним солнцем.
На постланной на земле скатерти расставлены те же предметы крестьянского быта, миска, кринка, ложки, хлеб. Освещенные косыми лучами закатного солнца, предметы приобретают особый, присущий только данному моменту цвет. Их освещенные части окрашены красно-оранжевым цветом, тени обобщенные, плотные, густо сиреневого холодного цвета. Эта плотная заливка света и тени без проработки мелких оттенков создает напряженную, густую гамму цветов, делающую предметы материально весомыми, земными, созвучными нелегкому крестьянскому труду пахаря.
Живопись на пленэре требует соблюдения некоторых несложных, но обязательных условий.
1. Прежде всего, работая на воздухе, надо иметь при себе зонт, походный мольберт или этюдник с ножками.
2. Во время работы необходимо учитывать влияние рефлекса неба и обилие солнечного света, который сильно высветляет краски на палитре. Это справедливо и для пасмурного дня.
3. Для защиты от солнца необходимо ставить зонт или выбирать удобное место в тени.
Натюрморт надо писать быстро, энергично, как правило, в течение непродолжительного времени. К сожалению, это требование не всегда выполняется. Иногда, стремясь закончить этюд, работают над ним полдня. За это время и солнце уходит в зенит, и тени изменяются, освещенные в начале части постановки погружаются в тень, падающие тени перемещаются на другое место и т. д. Продолжать работу в таких условиях не следует. Случается, что интересный натюрморт не удается сделать в один сеанс. Его необходимо продолжить в следующий раз, но для этого надо выбрать такой же день и писать в те же часы.
Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.
Твитнуть
Поделиться
Поделиться
Отправить
Класснуть
Линкануть
Что такое живопись на пленэре? Советы дилетанта | Культура
Передо мной стол, накрытый скатертью. Синяя ваза с фруктами, посуда, кувшин с цветами. Я набросала все это в карандаше и уже хотела приступить к работе красками, но задумалась. Стала присматриваться в который раз к натюрморту. Обратила внимание на глухие тени в складках ткани, белесые разводы на керамике и стекле, холодные блики от окна.
А за окном был погожий весенний денек. И я решила перенести стол со всеми предметами на лужайку около дома. Когда взглянула на натюрморт, то поразилась, насколько он «посвежел»: исчезли серые нейтральные тона, тени стали прозрачными, краски засветились, возникли многочисленные цветовые нюансы, веселые блики.
Натюрморт словно ожил, задышал. Потому что оказался на пленэре, то есть под открытым небом, в природной воздушной и световой среде.
Если в помещении для занятий рисованием освещенность ограничена и обусловлена размерами окон, а на световое и цветовое состояние влияет окраска стен, потолка, всевозможных предметов, то на пленэре все гораздо сложнее. Ведь погода бывает разная и меняться может быстро. Каждое время дня имеет свои особенности: в июле они одни, а в августе другие. Неодинаковы нюансы пленэра в поле, степи, лесу, у моря, в городе.
Было время, когда художники, изображая сцену, происходящую на открытом воздухе, или пейзаж, писали людей и предметы так, словно те находились в помещении, при этом основной целью было передать материальность фактуры, локальный цвет, объем.
Художников не смущала условность. Например, пейзаж делили на три плана: ближний — коричневый, средний — зеленый, дальний — голубоватый. При этом учитывались особенности восприятия теплых и холодных красок; первые как бы приближаются, вторые удаляются, создавая впечатление глубины пространства.
Д. С. Сарджент, «Клод Моне на опушке леса»
Фото: ru.wikipedia.org
Не надо путать живопись на пленэре с пленэрной живописью. Ведь можно писать на открытом воздухе так, словно работа идет в полутемной мастерской, — скучно, вяло, невыразительно. Другое дело — живопись, передающая вибрацию воздуха, мерцание света, игру красок. Живопись, которая воплощает движение, охватывающее красоту природы от мельчайшей травинки до широких рек и высоких облаков. И если такая живопись счастливо сочетается с глубиной замысла художника, его душевным порывом, то успех обеспечен.
У каждого предмета своя «среда обитания».
Есть, конечно, и такие, которым почти всюду уместно присутствовать: где человек, там и они. Так, плееры и мобильники стали теперь вездесущими (их звуковые ритмы можно услышать где надо и не надо). Однако в глухом лесу было бы странно встретить книжный шкаф или пианино. Не менее удивительно обнаружить в жилой комнате замшелый пень, усыпанный опятами, или грядку с огурцами. По крайней мере, это нетипично.
Писать на пленэре желательно предметы, для него характерные. Если предметов несколько, то это уже натюрморт. Натюрморт может быть двух типов: один — составленный в соответствии с избранной темой, другой — естественный, «подготовленный» самой природой. Но и готовый нужно отыскать, выбрать удачную точку обзора, самое подходящее освещение, решить, целиком его изображать или частично, показывать ли предметы, которые видны на дальнем плане, или заменить их условным фоном.
Например, А. Пластов написал освещенные солнцем подсолнухи на фоне ясного неба. Все в желтых бликах и голубых тонах. В большинстве жанровых произведений Пластова натюрморту отведено далеко не последнее место. Вспомните «Жатву», «Ужин тракториста», «Летом».
А. Пластов, «Лето», 1960 г.
Фото: Источник
Стоит оказаться на природе — и вы найдете массу предметов, которые так и просятся на бумагу или холст. Садовые, полевые и лесные цветы, травы (как чудесно их писал Иван Шишкин!), камни и ветви деревьев (вы, конечно, помните этюды А. Иванова), замшелые пни, сухой валежник, лукошко с грибами, овощи и ягоды, зеленеющие и краснеющие на грядках. Все эти предметы замечательны сами по себе и более чем достойны «персонального» изображения. Но они вполне могут быть составной частью пейзажа или жанровой картины.
Нередко пейзаж или жанровая сцена лишь дополняют натюрморт. Например, в картине А. Лентулова «Овощи» на первом плане изображена бочка с глиняным кувшином, дощатый пол с кочанами капусты, красным перцем и другими овощами. А дальше зеленеет луг, видны сиреневые горы с далекими облаками на фоне синего неба. Теплые блики чередуются с холодными отсветами неба. Чувствуешь, что капуста свежа и если ее тронуть, то звонко захрустит, что перец и редиска упруги и ароматны.
Мартирос Сарьян написал свой «Осенний натюрморт» на фоне гор. Он как бы царствует над долиной, прославляя щедрость природы: ведь эта фруктовая россыпь не меньшее чудо, чем величественная вершина. Чтобы получился красивый натюрморт, нужно найти удачный формат картины, высоту горизонта, композицию.
Все части картины должны быть уравновешены, чтобы не возникало чувства перегруженности в одном углу и пустоты в другом. Конечно, все эти овощи можно принести домой и добросовестно, неспешно запечатлеть. Но содержание картины ее смысл будет абсолютно иным. Большое искусство — найти в природе готовый натюрморт. И не меньшее — самому его составить.
М. С. Сарьян, «Осенний натюрморт. Плоды созрели», 1961 г.
Фото: Источник
Свойства нашего зрения таковы, что при сильном освещении мы плохо воспринимаем форму, и особенно окраску предмета. Поэтому многие художники предпочитают писать в пасмурную погоду или располагаться в тени, тогда наиболее полноценно воспринимаются даже самые тонкие цветовые нюансы.
Особенности пленэра, а точнее конкретной географической среды, в той или иной степени влияют на язык живописи и графики.
Как, например, объяснить, что для живописи Китая и Японии характерна слабая прорисованность дальних планов? Почему в живописи этих стран художники веками так искусно пользуются тушью и акварелью, передавая тончайшие оттенки тона и цвета? А, например, в миниатюрах Ирана четко показаны подробности. Такие характерные различия пейзажей можно объяснить климатическими условиями этих стран. В Японии климат влажный, в воздухе много водяных паров, дали тонут в дымке, в тумане, в пелене дождя. Влажный воздух помогает писать тушью или акварелью в технике рисования «по сырому», благоприятный для достижения тончайших, едва заметных переходов одного цвета в другой. На юге климат сухой, воздух прозрачный, даль видна ясно, что в какой-то степени и предопределило особенности художественного языка, прочно вошедшие в традицию.
Фото: Источник
В странах умеренного климата освещение намного благоприятнее для живописи на пленэре.
Недаром акварель достигла столь блестящего развития именно в туманной Англии. Но зато при хорошем солнечном освещении на холст просится настоящее буйство красок. И мне вдруг захотелось нарисовать разбросанные по траве ярко-желтые одуванчики.
Думаю, что этот рисунок, в котором так много солнечного света, понравится моей подруге.
Живопись на пленэре — Художественная культура в публикациях Александра Даниловича Алехина
(Журнал «Юный художник» № 7, 1982)
П. Кончаловский.
Сирень в кошелке на полу.
Масло. 1955.Стол, накрытый скатертью. Синяя ваза с фруктами, посуда, кувшин с цветами. Художник нарисовал все это и уже хотел приступить к работе красками.
Задумался. Стал присматриваться в который раз к натюрморту. Обратил внимание на глухие тени в складках ткани, белесые рефлексы на керамике и стекле, холодные блики от окна.
А за окном был погожий весенний день. И художник решил перенести стол со всеми предметами на лужайку около дома. Когда взглянул на натюрморт, то поразился, насколько он «посвежел»: исчезли серые, нейтральные тона, тени стали прозрачными, краски засветились, возникли многочисленные цветовые нюансы, веселые блики и рефлексы. Натюрморт словно ожил, задышал. Потому что оказался на пленэре, то есть под открытым небом, в природной воздушной и световой среде.
Если в помещении освещенность ограничена и обусловлена количеством и размерами окон, а на световое и цветовое состояние влияет окраска стен и потолка, всевозможных предметов (мебель, занавески и другие), то на пленэре все гораздо сложнее. Ведь погода бывает разная и меняться может быстро. Каждое время дня имеет свои особенности: в июле они одни, а в августе другие.
Неодинаковы условия пленэра в поле, степи, лесу, у моря, в горах.
С. Жуковский. Заброшенная терасса. Масло.Было время, когда художники, изображая какую-либо сцену, происходящую на открытом воздухе, или пейзаж, писали людей и предметы так, словно те находились в помещении, при этом основной целью было передать материальность, фактуру, локальный цвет, объем. Художников не смущали условности. Например, пейзаж делили на три плана: ближний — коричневый, средний — зеленый, дальний — голубоватый. При этом учитывались особенности восприятия теплых и холодных красок; первые как бы приближаются, вторые удаляются, создавая впечатление глубины пространства.
Не надо путать живопись на пленэре с пленэрной живописью. Ведь можно писать на открытом воздухе так, словно работа идет в полутемной мастерской — скучно, вяло, невыразительно. Другое дело — живопись, передающая вибрацию воздуха, мерцание света, игру красок. Живопись, которая воплощает движение, охватывающее природу от мельчайшей травинки до широких рек и высоких облаков.
И если такая живопись счастливо сочетается с глубиной замысла художника, его душевным порывом, то успех обеспечен.
К. Коровин. Розы. Масло. 1930.У каждого предмета своя «среда обитания». Есть, конечно, и такие, которым почти всюду уместно присутствовать: где человек, там и они. Так, транзистор или портативный магнитофон стали теперь вездесущими (их звуковые ритмы можно услышать где надо и не надо). Однако в глухом лесу было бы странно встретить книжный шкаф или пианино. Не менее удивительно обнаружить в жилой комнате замшелый пень, усыпанный опятами, или грядку с кабачками. По крайней мере это нетипично.
Писать на пленэре желательно предметы, для него характерные. Если предметов несколько, то это уже натюрморт. Натюрморт может быть двух типов: один — составленный в соответствии с избранной темой, другой — естественный, «подготовленный» самой природой. Но и готовый нужно отыскать, выбрать удачную точку зрения, определить, какое освещение самое подходящее, решить, целиком его изображать или частично, показывать ли предметы, которые видны на заднем плане, или заменить их условным фоном.
Например, А. Пластов написал освещенные солнцем подсолнухи на фоне ясного неба. Все в желтых бликах и голубых рефлексах, растения словно кадрированы из необъятного цветущего поля, олицетворяя
плодородие родной земли. Кстати, в большинстве жанровых произведений Пластова натюрморту отведено далеко не последнее место. Вспомните «Жатву» (1945), «Ужин трактористов» (1951), «Летом» (1954).
И. Грабарь. Неприбранный стол. Масло. 1907.
Стоит оказаться на природе, и вы найдете массу предметов, которые так и просятся на бумагу или холст: садовые, полевые и лесные цветы, травы (как чудесно их рисовал и писал И. Шишкин!), камни и ветви деревьев (вы, конечно, помните этюды А. Иванова), замшелые пни, сухой валежник, овощи и ягоды, зеленеющие и краснеющие на грядках… Садовый и огородный инвентарь, столярные и слесарные инструменты, снаряжение туриста, автомобильные принадлежности, охотничьи трофеи, лукошко с грибами, земляникой или огурцами. Все эти предметы замечательны сами по себе и более чем достойны «персонального» изображения.
Но они вполне могут быть составной частью пейзажа или жанровой картины.
Нередко пейзаж или жанровая сцена сами лишь дополняют натюрморт. Например, в картине А. Лентулова «Овощи» на первом плане изображена бочка с глиняным кувшином, дощатый стол с кочанами капусты, красным перцем и другими овощами. А дальше зеленеет луг, видны сиреневые горы с далекими белками на фоне синего неба. В сопоставлении с пейзажем натюрморт кажется монументальным и даже величественным. Ведь все эти дары земли, красивые сами по себе, дают человеку жизнь, силы и в конце концов возможность покорять далекие вершины.
А. Лентулов. Овощи. Масло. 1933.
М. Сарьян тоже написал свой «Осенний натюрморт» на фоне гор. Он как бы царствует над долиной, прославляя щедрость природы; ведь эта фруктовая россыпь не меньшее чудо, чем величественная вершина. Картина Сарьяна более декоративна по сравнению с полотном Лентулова. Однако обобщенность, приближающая ее к фреске, не лишает изображение воздушности; все предметы словно купаются в теплом солнечном просторе, подернутом нежной сиреневой дымкой.
Натюрморт Лентулова более натурен и живописен. Удары кисти интенсивны, мазки крупные, сочные. Теплые блики чередуются с холодными отсветами неба. Чувствуешь, что капуста свежа и если ее тронуть, то звонко захрустит, что перец и редиска упруги и ароматны. Все предметы связаны единым освещением, взаимными рефлексами, общей воздушной средой, смысловым содержанием. Ясно — все только что сорвано, срезано, вынуто из земли, точно и красиво составлено и вдохновенно, на одном дыхании написано.
В. Токарев. Весна. Масло. 1972.
Художник нашел удачный формат картине, высоту горизонта, композицию, где большой кувшин слева уравновешен пятном яркого перца справа. Дополнительные краски — зеленые и красные, сиреневые и желтые, оранжевые и голубые — придают колориту особую свежесть и чистоту. Этот натюрморт просто невозможно представить где-нибудь в помещении на фоне драпировки. Он должен жить лишь на пленэре.
Конечно, все эти овощи можно принести в комнату и добросовестно запечатлеть.
Но содержание картины, ее смысл будет абсолютно иным, если не подходить к дарам природы сугубо утилитарно.
Большое искусство — найти в природе готовый натюрморт. И не меньшее — самому его составить, как мы это уже видели. Вот и в картине ленинградца В. Токарева «Весна» мы видим предметы, положенные на стол и скамью как бы невзначай. На самом деле ее композиция тщательно продумана, как и подбор чистых, радостных красок первой зелени и первых цветов.
Для картины Токарев выбрал разгар солнечного дня, когда освещение настолько ярко, что как бы разбеливает цвет предметов. Зато тени прозрачны и насыщены цветом. Писать в таких условиях сложно. Тем не менее и ленинградская художница О. Богаевская прекрасно справилась с аналогичной за дачей. Она так и назвала свой натюрморт — «На солнце». Мало того, что яркие лучи буквально залили все предметы, автор еще и расположила их на белой скатерти. Впечатления солнечного света она добилась посредством удачно найденных тоновых и цветовых отношений освещенных и затененных мест, сумев передать игру желтых и голубых оттенков на скатерти, растворенность цвета и фак туры предметов, словно потерявших в ослепительных лучах свою материальность.
Все это усилено контрастом глубоких теней в верхней части картины.
А. Пластов. Подсолнухи. Масло. 1941.
Действительно, свойства нашего зрения таковы, что при сильном освещении мы плохо воспринимаем форму и особенно окраску предметов. Поэтому многие художники предпочитают писать в пасмурную погоду или располагаться в тени, когда наиболее полноценно воспринимаются даже самые тонкие цветовые нюансы.
Особенности пленэра, а точнее географической среды, в той или иной степени влияют на язык живописи и графики. Как, например, объяснить, что для живописи Китая и Японии характерна слабая прорисованность дальних планов. Почему в живописи этих стран художники столетиями так прекрасно пользуются тушью и акварелью, передавая тончайшие оттенки тона и цвета? И почему в миниатюрах Ирана и Азербайджана столь четко показаны подробности, к какому бы плану они ни относились, а цвет локален?
Такое различие можно объяснить климатическими условиями этих стран. В Восточном Китае и Японии климат влажный, в воздухе много водяных паров, дали тонут в дымке, в тумане, в пелене дождя.
Сам влажный воздух помогает писать тушью или акварелью в технике «по сырому», благоприятной для достижения тончайших, едва заметных переходов одного цвета в другой.
М. Сарьян. Осенний натюрморт. Масло. 1961.
В Иране и Азербайджане климат сухой, воздух прозрачный, дали видны ясно, что в какой-то степени и предопределило особенности художественного языка, прочно вошедшие в традиции.
Если говорить о живописи в целом, то в странах умеренного климата освещение намного благоприятнее для этого вида изобразительного искусства, чем в южных солнечных краях: гармонические сочетания красок мы лучше воспринимаем в условиях неяркого рассеянного освещения. Это обстоятельство помимо исторических, социальных и других факторов, несомненно, содействовало развитию станковой живописи в странах Европы. Недаром и акварель достигла столь блестящего расцвета именно в туманной Англии.
Сказанное не означает, что на юге художнику пленэр противопоказан. Прошедший школу реалистической живописи, умный, любящий природу художник создаст прекрасные произведения даже на экваторе.
(Продолжение следует)
к содержанию
Открытый урок «Натюрморт на пленэре на основе творчества Константина Алексеевича Коровина». Для учащихся 10-12 лет ДШИ и ДХШ — Уроки, конспекты — Изобразительное искусство — Методическая копилка — Международное сообщество педагогов «Я
Ответы на эти вопросы зависят от того, что конкретно каждый из Вас ищет в природе, какие цели и задачи ставит перед собой.Неопытный художник часто думает, что достаточно изобразить лишь какие-то особые, «красивые» места и сложные вещи: закат солнца на пляже, сложной формы вазу с розами или портрет красивого человека, и картина сразу будет являться художественным шедевром. Но это очень наивный взгляд на красоту, говорящий о неумении наблюдать, видеть, чувствовать окружающую нас действительность. Самый простой пейзаж, даже изображение обычного одуванчика который пробился сквозь асфальт и тянется к свету или как в нашем случае самый простой натюрморт (стакан молока с куском хлеба или пара яблок) – это и есть самый сложный.
Иногда поставить его, сложнее, чем написать. А при написании очень сложно передать «душу» натюрморта, его внутренний мир, попытаться донести свои мысли до зрителя.
Очень многое зависит от задуманного художником, от мысли и задачи, от чувств и эмоций, которые он вложил в этот натюрморт. На самом деле, в идеале, любой натюрморт должен быть тематическим, иначе говоря поставленным для какой-то цели, раскрывающим какую-то тему, он не должен быть простым набором предметов сваленным в кучу. В натюрморте в первую очередь должна быть душа.
Мир предметов и предметных сочетаний богат и разнообразен. Благодаря этой неисчерпаемости натюрморт может быть парадным, лиричным, декоративным, теплым или холодным, поставленным в одной цветовой гамме или контрастным… Для постановочного учебного натюрморта, наряду с этим, важно, чтобы он был прежде всего понятным и воспринимаемым для обучающихся.
Как вы думаете ребята, какие предметы можно ставить в натюрморт в пленэре, а какие нет? Какие из вещей могут гармонично вписаться в пейзаж, а какие будут смотреться нелепо?
Варианты ответов учащихся:
-овощи и фрукты;
-шашлык с хлебом;
-крынку с молоком и булочками;
Правильно, ребята, любые продукты которые мы берем с собой на пикник будут естественно восприниматься на пленэре.
А что еще можно поставить в натюрморт как вы думаете?
— цветы;
-гитару;
-корзинку с грибами;
— шкаф нельзя ставить, т.к. он никак не может оказаться на улице, если конечно не рисовать композицию переезда.
— еще по этой же причине нельзя в натюрморт на пленэре ставить диван;
-перчатки с шарфом;
-балалайку;
-зонтик;
Молодцы, ребята, вы перечислили много предметов которые можно поставить в натюрморт на пленэре и даже попытались объяснить причину невозможности присутствия других, теперь давайте обобщим полученные знания. Мы с вами узнали, что, в натюрморт на пленэре нельзя ставить предметы, которые на природе вряд ли могут оказаться. Это утюг, телевизор, холодильник например (не зря они называются предметами домашнего обихода). А вот фрукты, овощи, посуда, вроде самовара или чайного сервиза, корзинки, шляпки и платки, даже музыкальные инструменты (кроме фортепиано конечно) вполне гармонично будут смотреться на фоне природы. На природе очень важно скомпоновать натюрморт, вживив его в окружающую среду.
В связи с тем, что на пленэре освещение, — вещь изменчивая, то написать картину за один сеанс невозможно, поэтому художники пишут сначала этюд, а потом, в мастерской, опираясь на этюды и зарисовки пишут уже непосредственно картину. Зачастую этюд становится самостоятельным произведением искусства за свою живость и эмоциональность.
Давайте ребята попробуем определить основные требования к этюду?
Иногда достаточно просто выявить объём предмета и его связь с пространственной средой посредством тонких световых переходов. Можно очень живо передать объём более обобщённой живописью. Можно даже работать совсем скупыми средствами, например, сочетанием пятен, выражающим общие массы силуэтов. Одним словом, здесь нет рецепта, как должен выглядеть написанный натюрморт. В этюде отсутствуют жесткие рамки, нет признанных образцов и эталонов для его написания, приветствуется свобода, эмоциональность, живость, яркость мазков и линий. Следует понять, что этюд это не механическое раскрашивание, а острое ощущение характера форм и объёмов натуры, как они воспринимаются в данных конкретных условиях – вот что важно.
Некоторые любители искусства оценивают картины лишь с точки зрения их яркости, другие считают яркие краски грубой живописью. Такие суждения носят поверхностный характер. Важно научиться понимать более широко и гибко сложные связи мира художника и его живописи, чтобы в своей работе стремиться к интересным цветовым решениям.
Очень большое значение в написании этюдов имеет освещение, оно может изменять предмет до неузнаваемости. А на пленэре это становится особенно явно.
Одной из основных задач при работе на пленэре является выбор формата. Не нужно брать большую плоскость листа или холста, если не сможете его закончить. Лучше начинать с небольшого формата, тогда целью будет не перекрытие плоскости краской, а написание этюда. От которого и зритель и сам художник получат удовольствие. И прежде всего, чем положить каждый мазок художник думает, размышляет и сравнивает. Однако это не означает, что он работает медленно. Длительный процесс обдумывания не обещает успех. Лучше намешать краску и попробовать положить мазок и если мы не угадали в цвете или тоне, намешать краску вновь.
Это есть творческий процесс, мы художники, а не маляры. На пленэре солнце должно находится справа или слева, т.е. сбоку. Так легче выявить форму.
Натюрморт в пейзаже (на пленэре) может быть двух типов: один –составленный в соответствии с избранной темой, другой – естественный, «случайный». Он может быть, как самостоятельным, так и являться составной частью жанровой картины или пейзажа. Нередко пейзаж или жанровая сцена сами лишь дополняют натюрморт.
Ребята, мы с вами познакомились с понятием и особенностями натюрморта на пленэре, теперь я хочу показать вам презентацию репродукций картин художника который уделял очень большое внимание натюрморту в пленэре и конечно же немного рассказать вам о нем. Этого художника зовут Константин Алексеевич Коровин.
II. Творчество К. Коровина.
Константин Алексеевич Коровин был одним из ярких художников писавших натюрморты в пленэре.
Картины Коровина появились в тот самый момент, когда понятие красоты в русской живописи было наглухо и безоговорочно потеряно и забыто — забыто под натиском темной и нравоучительной живописи передвижников.
Пожалуй, один лишь Левитан еще помнил о красоте и душе окружающей нас природы, но красота его была настолько «грустна и печальна», что была доступна пониманию немногих. Репин также дал несколько примеров отличных в колористическом отношении работ, по большей части этюдов с натуры, но редко кто любовался этими его произведениями. И даже его поклонники больше изумлялись верности передачи натуры, нежели красоте, получившейся благодаря этой верности.
К сожалению о красоте вообще мало было разговора, а большинство даже совсем забыли о ее существовании. Картины Константина Коровина, в которых художник добивался одного только красивого красочного и сочного пятна, естественно, должны были смутить многих. Этому способствовала еще и сама живопись Коровина, его техника письма: дерзко-небрежная, грубая и пастозная, слишком эмоциональная, как казалось многим, просто неумелая. Поэтому с одной стороны, картины Коровина были жизненно необходимы обществу, а с другой стороны общество еще этого не осознавало.
Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах — высокого достоинства, что автор их — настоящий живописец и колорист.
Коровин — удивительный, прирожденный стилист, тонко чувствующий натуру.
В отличие от голландских живописцев 17 века которые отдавали большое значение натюрморту и много его писали, в творчестве русских художников-реалистов середины и второй половины 19 века натюрморт был явлением сравнительно редким. И только на рубеже прошлого и нынешнего столетий он вырос в художественное явление мирового значения.
Характер новых взглядов и тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт и в сюжете, и живописно — с окружающей средой. «Мертвую натуру» выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте хотят увидеть отражение мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада, наконец — его настроения.
Одно из ранних произведений Константина Коровина прекрасно отображает эти новые взгляды.
Речь идет об изображении дружеского общества за завтраком на даче художника Василия Дмитриевича Поленова — «За чайным столом» (1888 год, музей-усадьба В. Д. Поленова), художник почти все лето 1988 года провел на даче своего друга. Картина написана почти в пленэре — на террасе загородного дома. По своей сути эта картина является групповым портретом, на картине изображены сидящая за столом жена художника (Елена Поленова- мы видим ее спину), рядом мирно беседуют ее сестра (художница Мария Якунчикова) и сестра самого Василия Дмитриевича (Наталья Поленова- сидит лицом к зрителю) — обе молодые женщины- талантливые художницы, на заднем плане мы видим приятеля семьи-Вячеслава Зиборова.
Однако, истинной целью живописца было не изображение портретного сходства присутствующих, а передача общего настроения, ощущения теплого летнего утра, легкого, спокойного и гармоничного. Коровин постарался дать почувствовать зрителю прелесть непринужденной дружеской беседы, тепла и мира царящего во круг дорогих и близких ему людей.
Бодрящая свежесть, исходящая от солнечной зелени сада, от молодых лиц, в большей мере создается и натюрмортом — этим зрелищем красных сочных ягод в белой тарелке, белизной свежей скатерти, молоком, налитым в высокие прозрачные стаканы. На картине очень много белого, это и одежда присутствующих и скатерть, но посмотрите какие тонкие и удивительные нюансы всевозможных оттенков присутствуют в этом «белом», каждый мазок обдуман и осмыслен. Эту «разноцветную» белизну художник подчеркивает через контраст синей юбки и синевы узора на блюдцах, эти синие цвета гармонично перекликаются между собой. Внутреннее, эмоциональное единство, в котором находится все изображенное на картине, достигается, прежде всего, чисто живописным решением полотна. И фигуры людей, и пространство природы, и предметы сервировки накрытого стола — все написано с учетом той световоздушной среды, которая их окружает. Пронизана солнцем зелень сада, отбрасывает зеленоватый свет на лица людей. Зеленоватыми и золотыми бликами искрится самовар в центре стола.
Мягко поблескивает стекло стаканов, отражая и вместе с тем пропуская свет. Легкие, холодные тени лежат на скатерти, на белой, тщательно отглаженной блузе молодой женщины; в свою очередь, свет, отраженный от блузы, от скатерти, еще более высветляет те немногие легкие тени, которые есть в картине. Ощущение тепла, доброты и молодости присутствующие в картине благодаря технике и характеру письма художника передается и зрителю. Чувствуется любовь художника ко всему что он пишет. В этой работе Константин Алексеевич Коровин положил начало дальнейшему развитию натюрморта.
Стремление художника расширить границы натюрморта, теснее связать его с человеком, с окружающим миром приводит во многих случаях к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером. Это характерно не только для начального этапа становления натюрморта в России, но и для всего его периода развития с конца 19го и начала 20 веков. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве Константина Алексеевича Коровина и Игоря Эммануиловича Грабаря.
Дорогие ребята, вы посмотрели презентацию с репродукциями картин Константина Коровина. Скажите пожалуйста, чем характерны полотна этого художника? Какую отличительную особенность они имеют?
Варианты ответов обучающихся:
— они все наполнены солнечным светом, нет ни одного пасмурного дня.
-чаще всего они написаны на берегу моря.
-каждый мазок имеет свой собственный оттенок, нюанс цвета;
-Константин Коровин писал в пастозной технике.
— в каждом натюрморте чувствуется любовь к живописи, то как он делает замес и кладет мазок на холст. Все его картины пропитаны теплом и свободой.
— все его фрукты написаны таким образом, что они вызывают желание их потрогать или вообще съесть.
— а цветы благоухают.
Правильно, дорогие ребята, вы очень точно подметили суть полотен Константина Коровина, вы и обратили внимание что отличительной особенностью этих полотен является сочный, густой, «вкусный» мазок, и то, что все цветы изображены так, что мы чувствуем их аромат, а фрукты вызывают желание взять их и съесть.
Некоторые из вас доже постарались проанализировать внутренний мир полотен Коровина, его настроение во время работы над картинами. Из всего вышеперечисленного мы с вами можем сделать вывод что все произведения Константина Коровина наполнены жизнью, зритель чувствует ее дыхание через световоздушную перспективу его натюрмортов, через звучание мазков и смелость манеры письма.
Сейчас, ребята, мы с вами выйдем на пленэр и тоже попробуем написать натюрморт. Но для начала, мы не будем рисовать многоплановый и многофигурный натюрморт, тем более что для создания красивого этюда, как мы с вами уже говорили, это и не нужно. Мы, дорогие ребята, попробуем наполнить наши этюды такой же жизненной силой как у Коровина, каждый из вас попробует изобразить посредством натюрморта свое настроение. Сегодня вы будете рисовать самые простые помидоры, каждый из которых имеет свой цвет и форму. Вы должны постараться уловить верный, на ваш взгляд, цвет и оттенок каждого помидора, правильно показать его очертание.
Вашей основной задачей в изображении сегодняшнего натюрморта будет нарисовать наши овощи(помидоры) так, чтобы их тоже захотелось потрогать или даже съесть, что бы зритель почувствовал запах свежесобранных овощей. Работа должна будет быть выполнена быстро и смело. Фоном вашего этюда будет служить трава и опавшая листва. Вы должны найти все цвета и оттенки которые на ваш взгляд присутствую в этой траве. Написание фона не должно быть механическим раскрашиванием зеленой краской того цвета который есть в ваших баночках, вы должны постараться найти наиболее близкие оттенки замесов зелени. Вашей задачей будет донести до зрителя ощущение начала осени, запах травы и опавшей листвы, ощущение легкого ветерка который шевелит траву. Найти тот бежево-белый оттенок салфетки на котором лежат помидоры, постараться написать ее как можно живописнее, проанализировать всевозможные оттенки которые присутствуют в этой светлой материи. В итоге весь ваш этюд должен восприниматься единым целым и законченным, он должен передавать не только увиденное вами, но и прочувствованное.
Все ваши эмоции которые вы ощутили только взглянув на натюрморт. По окончании нашего урока мы рассмотрим ваши этюды, проанализируем их, постараемся угадать кто какое настроение вложил в свой натюрморт. Оценим степень законченности этюда и насколько каждый из вас справился с поставленными целями и задачами.
Волшебный мир пленэра. Картины художника Евгения Малых
- За работой над натюрмортом. Царское село. Лето 2009
Первые шаги в овладении азами живописи и рисунка, конечно же, ассоциируются с натюрмортом. Название жанра говорит само за себя – мертвая натура, т.е. изображение неодушевленных предметов. Есть еще другая интерпретация этого понятия: спокойная жизнь (например, по-английски это still-life в голландском языке- stilleven, по-немецки это — stilleben). Но мертвая натура не означает, натура, ничего не имеющая общего с действительностью, отношение к которой можно показать, используя различные выразительные средства, в частности, и набор неодушевленных предметов.
В разные времена натюрморт воспринимался по-разному. Например, вплоть до конца
XIX века в России он относился к низшему жанру, который рассматривался как учебная постановка. И только к концу XIX века он обрел свою самостоятельность, а в XX столетии наступил период его расцвета.
Для меня натюрморт – это жанр живописи, с помощью которого можно выразить свое отношение к миру. Вспомним знаменитый «Натюрморт с атрибутами искусства» Ж.Б. Шардена, или такие виды изображения мертвой природы как «vanitas» (суета сует). Тематическая направленность натюрморта бывает разной: есть, так называемые, ученые натюрморты, есть натюрморты цветочные, есть, также, натюрморты со снедью. Эти голландские натюрморты с разнообразной провизией и битой дичью воспринимаются как гимн изобилию.
Импрессионизм, постимпрессионизм, а также течения изобразительного искусства XX века дали новый толчок в развитии этого жанра. Натюрморт – это уже не копия мертвой натуры, это выражение идеи и темперамента художника.
С натюрмортом я сталкиваюсь постоянно: и, обучая студентов на примерах академических постановок, и выбирая для себя в «мертвой природе» интересные моменты. Учебные задачи, которые решаются в натюрморте это — масштабность, композиция, выбор главного и второстепенного, распределение тона. Для себя я стараюсь расширить эти рамки. Природа для меня перестает быть мертвой, когда я приношу в мастерскую благоухающий букет сирени, пионов или полевых цветов, добавляя при необходимости в мою композицию фрукты, посуду, другие предметы быта. Устанавливая натюрморт, я как будто создаю для себя уголок своего бытия, тот уголок, где обитает моя душа. В наше время все больше наблюдается недостаток общения человека с природой. Возможно одна из актуальных задач натюрморта сейчас – это восполнить этот недостаток, и дать людям возможность быть ближе к воде, деревьям, ко всему тому миру, который нас окружает. Работая над натюрмортом, мне приходится ставить перед собой непростые задачи. С одной стороны – это передача материальности и соответствия действительности, с другой – погружение в лирическое настроение.
Передача цвета, фактуры предметов это еще не все. Натюрморт должен по-своему звучать, быть музыкальным. Это необходимо для полноты образа. Летом многих людей тянет на природу. Кто-то уезжает на дачу, кто-то, к родственникам в деревню, а кто-то в дальние экзотические страны, сменяя надоевшую городскую обстановку, на что-то родное, знакомое с детства, далекое от мира офисов, компьютеров и всяких электронных устройств, без которых невозможно представить современную жизнь. Как глядя на картину, ни вспомнить запахи сада после дождя и аромат сирени. Это ушло из наших будней, так же как и ушли и привычные городские запахи прошлого, ароматы из детства, взамен которых пришли запахи выхлопных газов, дорогого парфюма и другие «искусственные» свидетельства урбанизации.
Моей целью было всегда отразить радость и красоту окружающего мира, показать богатство света и цвета, любоваться фактурой предметов, и сожалеть о несовершенстве изобразительного искусства, которое не может передать богатство запаха и вкуса! Окружающий мир – он разный.
Мир может быть полон скорби и печали, но он может рассматриваться и как сокровище, созданное Всевышним, на радость всех живущих в нем людей. И, возможно, иногда стоит «опустить», не рассматривать печальную сторону нашего бытия, чтобы не было повода лишний раз впадать в уныние, а перефразируя Вольтера, думать только о самом лучшем в этом лучшем из миров! Чем не арт-терапия! Я не претендую на универсальность своего влияния, так же как и не являюсь апологетом какого-то определенного стиля в живописи. В разные периоды своего творчества я был более близок к разным живописным течениям: увлекался творчеством таких художников как, Сезанн, Матисс, Пикассо, Осьмеркин, Герасимов, Кончаловский… Я всегда старался учиться у великих мастеров, вбирая от них то, что близко мне. И реализм в искусстве для меня это не слепое копирование того, что меня окружает, это многообразие приемов и методов в постижении нашей действительности, многообразие способов ее передачи.
Натюрморт, как и любое другое живописное произведение, как бы ни был он индивидуален, всегда находит тех людей, которым он близок по духу, иными словами, он находит свой дом, свой адрес.
Этот адрес или местонахождение может быть гостиная, спальня или кабинет. Каждая вещь в интерьере несет в себе энергетику своего владельца, и, соответственно, картина, в целом, и натюрморт в частности, также является отражением индивидуальности художника, носителем его энергетики. Соответственно, как и художнику, важно найти своего зрителя, так и зрителю или будущему владельцу картины важно найти своего художника, свою модель восприятия мира. И, если это созвучие перерастает в нечто большее, тогда картина в Вашем доме не бесполезная вещь!
.
Методические рекомендации по работе над учебным натюрмортом
Учебный натюрморт является одним из основных заданий по живописи. Без основ изобразительного искусства будущий специалист, художник-педагог, бакалавр и магистр по специальности педагогическое образование не может расти и совершенствоваться. Живопись является основным предметом формирования культуры, художественного вкуса, эстетического развития будущего специалиста изобразительного искусства. Живопись натюрморта студенты изучают на 1 и 2 курсах в 1, 2, 3, 4 семестрах. Параллельно с развитием умения работать с натуры натюрморт служит эффективным средством формирования творческих способностей студентов, их художественной самостоятельности. Велика роль натюрморта в постижении живописного мастерства для будущего специалиста педагога-художника. Через натюрморт студенты познают красоту реального мира во всем многообразии предметов. Неподвижная и хорошо обозримая с небольшого расстояния натура натюрморта служит прекрасным материалом для изучения формы, пропорций предметов.
В работе над живописью натюрморта студенты изучают композицию, колористическое единство цвета, влияние освещения на натуру, цветовые контрасты. В жанре натюрморта наглядно просматриваются пластические и колористические стороны художника живописца. Творческое выполнение натюрморта часто становится основой дипломной квалификационной работы.
Как самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт предоставляет большие изобразительные возможности: это и внешнее материальное представление предметов, и образная форма в изображении вещей. Художник целенаправленно отбирает предметы для натюрморта, закладывая определенный смысл, выражая свои мысли и чувства, свое отношение к миру. Жанр натюрморта имеет самостоятельное значение, также натюрморт может быть частью композиции тематической картины или портрета.
Рассуждая о работе над натюрмортом, прекрасный художник В. Фаворский отмечал, что художник должен «слышать тихую жизнь предметов». Живопись натюрморта, по мнению многих профессиональных художников, помогает студентам настроиться на работу в начале учебного года даже перед работой над портретом или фигурой человека.
Перед работой над большими жанровыми картинами такие художники, как К. Петров-Водкин, П. Кончаловский, писали натюрморты. К. Петров-Водкин называл работу над натюрмортом «скрипичными этюдами перед большим концертом». Натюрморт утверждает эстетическую ценность привычных и обыденных вещей. Неподвижная натура живет своей тихой жизнью, до того момента как к ней обращается художник. Натюрморт становится произведением искусства лишь тогда, когда художнику удается создать художественный образ, передать настроение, чувства. Создание художественного образа в натюрморте тема сложная и необыкновенно интересная. Натюрморт, открывающийся проницательному взгляду художника, раскрывает скрытую сущность предметов, а художник в свою очередь пытается создать художественный образ, работая над натюрмортом, пытаясь внести в созданный на бумаге мир частичку своей души.
В изобразительном искусстве натюрмортом принято называть группу неодушевленных предметов, название происходит из французского языка nature morte – в переводе мертвая натура.
Рассказывая о натюрморте, мы приводим примеры блистательного выполнения данной темы в искусстве живописи, изучение которых благоприятно влияет формирование художественной культуры студентов.
Своего наивысшего расцвета натюрморт достиг в творчестве голландских художников XVI–XVII веков. Натюрморты художников П. Класа, А. Байера, Ф. Снейдерса украшают мировые коллекции живописи во многих известных музеях, таких как Эрмитаж в Санкт-Петербурге, Третьяковская галерея и музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина в Москве, Лувр в Париже.
Работы Ф. Снейдерса, монументальные полотна, отражающие жизнерадостное отношение художника к окружающему миру. Широко известны его картины, раскрывающие для зрителя, убранство съестных лавок «Овощная», «Рыбная» и других. Овощи, фрукты, многообразная дичь, животные, дары земли и моря – все это наполняет его картины яркими, сочными цветами реалистической живописи. Излюбленной темой живописи П. Класа и А. Байера являются «завтраки», в которых отразилась красота и материальность предметов, будь то стеклянный или металлический сосуд, материальность лимона, куска ветчины.
На работах голландских мастеров благотворно сказалось влияние искусства эпохи Возрождения. Методы и приемы композиционного построения сюжетно-тематической картины и портрета стали присутствовать и в натюрморте. Вырабатывается основной тип натюрморта с делением пространства на три плана. На среднем плане помещается композиционный центр натюрморта, на переднем плане расположены дополнительные предметы небольшого размера, а на третьем плане изображается нейтральный фон. Введенные в голландском искусстве принципы изображения натюрморта, такие как реализм, тонкая наблюдательность и отражение эстетической стороны предметов, предопределили дальнейшее развитие натюрморта.
Значительный вклад в искусство натюрморта внес французский художник XVIII века Ж.-Б. Шарден. Его натюрморты обладают особой одухотворенностью и связью с человеком. Натюрморты Ж.-Б. Шардена не сложные по композиции, сдержанные по цветовой гамме. Натюрморт «Атрибуты искусства» и «Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином» классические примеры искусства.
Они являются образцом создания художественного образа и красоты простых предметов.
Начиная с середины XIX огромное влияние на мировое искусство оказал импрессионизм. Воспроизведение быстро меняющихся состояний природы, живопись чистыми спектральными цветами, работа над световоздушной средой перенеслись и в жанр натюрморта.
Один из ярких представителей французской живописи П. Сезанн в своем творчестве переработал влияние импрессионизма. В его натюрмортах, световоздушная среда переплетается с работой над объемом и формой предметов. Натюрморты П. Сезанна представляют образец живописного искусства, каждый мазок работает над формой предмета. Его произведения выразительны по цвету, и грамотно построены тонально. Используя закон цветовых контрастов, П. Сезанн добивается «драгоценности» живописи, создавая художественный образ знаменитых «Персиков и груш».
Интерес к натюрморту в русской живописи наступает в 80-х годах прошлого века. Живописью натюрморта занимались в той или иной мере все художники, работающие и в других жанрах изобразительного искусства.
Примером этого могут служить небольшие по размеру и скромные по замыслу натюрморты великого мастера пейзажной живописи И. Левитана. Натюрморты И. Левитана передают чистоту и красоту родной природы. Букеты лесных и полевых цветов на нейтральном фоне дают зрителю возможность любоваться только что собранными растениями и наслаждаться их простотой и красотой. Одуванчики, незабудки, васильки, в глиняных кувшинах и керамических вазах отражают неповторимую прелесть живой натуры. Работы И. Левитана могут служить прекрасным примером постановки натюрмортов на пленэре. Также влияние импрессионизма отразилось на творчестве К.Коровина и В. Серова, И. Грабаря. Натюрморт ставится на пленэре, его связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте художники стремятся передать мироощущения человека, его настроение. Таким образом, расширяются границы натюрморта, теснее ощущается его связь с человеком, что приводит к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью.
В картине В. Серова «Девочка с персиками» изображен портрет Верочки Мамонтовой и великолепно написанные фрукты на переднем плане подчеркивают и усиливают образ и очарование юности.
Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К. Коровина и И. Грабаря. В работах И. Грабаря всегда ощущается отражение жизни. Вспоминая свои работы, И. Грабарь рассказывал, что многие из своих натюрмортов он увидел в реальной бытовой обстановке, в загородном доме его друга художника. Прекрасный натюрморт «Неприбранный стол» может служить примером жизненной сиюминутности в произведении. Жизнерадостность и чувственность в восприятие мира отразились в работе К. Коровина «Рыбы, вино и фрукты». Все многообразие формы, цвета и фактуры предметов художник решает чисто живописными приемами. Теплый колорит картины, холодные блики на рыбе, глубокий тон красного вина в бутылке. Ощущение радости жизни, исходит от полотен К. Коровина, его живопись легка и свободна. Она артистически передает чувство радостного восхищения от жизни и живописи.
К. Коровин сближает натюрморт с пейзажем, объединяя их приемами пленэрной живописи. Великолепный натюрморт, написанный в Париже «Розы и фиалки» в нем сочетаются изысканность сервировки, блеск серебра, багряные тона цветов с мерцающими огнями ночного города. Художник раскрывает настроение в натюрморте. Он пишет огни за окном не просто как источники света, но стремиться передать их мерцающую, манящую трепетность, говорящую о романтике большого, города, ночного Парижа. Наполнение занятий по живописи иллюстративным рядом, состоящим из лучших образцов натюрмортов мирового искусства, обогащает учебный процесс и вносит элемент вдохновения, влияет на развитие художественного вкуса студентов. В нашей педагогической практике мы используем в работе над учебным натюрмортом определенную тему, увиденную у мастеров изобразительного искусства. Постановка тематических натюрмортов для студентов пользуется огромной популярностью и повышает интерес к предмету живописи: например, «Чаепитие» или «В мастерской художника».
Интересными, на наш взгляд, являются постановки натюрмортов в стиле какого-нибудь определенного художника. Студенты с удовольствием пишут такие натюрморты, развивая творческие способности и образное мышление, знакомясь с произведениями мирового искусства.
Полезно также привлекать к постановке натюрмортов и самих студентов. Самостоятельная постановка натюрморта студентами, используемая как упражнение, помогает в формировании художественного вкуса, умении подбирать предметы, организовывая натюрморт, расставлять пластические и поэтические акценты. Художественный вкус и творческая самостоятельность важны для умения подмечать красоту в окружающей действительности, интересную композицию, цветовое богатство натуры. На младших курсах студенты работают над натюрмортом акварелью, знакомятся с прекрасной техникой акварельной живописи. Акварельный этюд натюрморта можно выполнять как по предварительному рисунку, так и без него, хотя последнее значительно сложнее. Тем не менее этот способ следует освоить, так как он является одним из лучших упражнений, способствующих профессиональному умению видеть будущее изображение в материале, умению работать уверенно, сочетая моделировку формы с решением колористических задач.
В акварельных этюдах продолжительность одного сеанса работы с натуры колеблется от нескольких минут до нескольких часов, применяются приемы быстрого письма. Студентам с первых упражнений следует познакомиться с этим приемом. Письмо заливками лучше передает освещенные места, а лессировками – тени. В акварельном этюде заливками часто пишут освещенные места первого плана. Это помогает передать материальность натуры и фактуру поверхности предметов. Мазок, правильно положенный по форме, является хорошим средством для передачи образного строя натюрморта, пейзажа, модели. В свою очередь злоупотребление одним и тем же эффектным приемом вредит дальнейшему росту профессионального мастерства. Лессировки применяют в живописи для придания цвету новых оттенков, иногда для создания нового цвета, а также для усиления или приглушения его интенсивности. Большое распространение лессировка имеет в акварельной живописи. Лессировки уместны при создании длительных, постановочных работ, рассчитанных на большое количество времени.
При работе лессировкой обобщаются многие детали, но цвет не всегда остается прозрачным. A la prima – метод, заслуживающий внимания, – в переводе с итальянского означает – живопись сразу, в один прием, за один сеанс. Может исполняться по сырому и сухому листу. Этюды и эскизы, написанные таким образом, состоят как бы из цветовой мозаики. Работа пишется без предварительных прописок и подмалевка. Такой прием требует навыка цельного видения натуры и изображения, что у неопытных студентов часто ведет к пестроте и дробности. Работа ведется цветовыми заливками иногда в сочетании с широкими цветовыми прокладками нужного цвета. Активизирует процесс формирования живописных навыков, быстроту, художественный вкус. Живопись по предварительно увлажненному листу бумаги представляет собой прием акварельной живописи, который следует освоить студентам. Перед началом работы по-сырому бумагу равномерно смачивают водой. Когда вода впитается в бумагу и немного подсохнет, начинают писать. Мазки краски, ложась на влажную поверхность, расплываются, сливаются друг с другом, создавая плавные переходы.
Так живописец достигает мягкости очертаний предметов. В акварели с целью объединения деталей и смягчения резкости границ изображение покрывается чистой водой. Кисть должна быть достаточно влажной, чтобы можно было положить сочный мазок. Иногда пишут полусухой кистью по влажной зернистой бумаге. При работе акварелью часто возникает необходимость снять избыток краски. Очень удобно в работе акварелью пользоваться морской губкой, ей можно смочить лист, когда нужно убрать избыток цвета, не повредив при этом бумагу. Развитые навыки управления движениями кисти позволяют в каждом мазке варьировать положение руки. Движение руки с кистью зависит от того, надо ли собрать с бумаги излишек воды и краски или наоборот. Не следует допускать излишка воды на бумаге. Наклон планшета, обтянутого бумагой, можно менять во время работы. Этим регулируется стекание воды с краской вниз. Для покрытия ровным красочным слоем большой поверхности, также необходим определенный навык, позволяющий избежать пятен. Кистью можно рисовать, делая штрихи и мазки по форме изображаемого предмета.
Если требуется передать тонкие тональные и цветовые переходы, уместно применить письмо «по-сырому», работая сближенными цветовыми отношениями. Такой способ рекомендуется при передаче теневых участков натуры, отличающихся обобщенностью. Письмо заливками цвета следует применять при передаче освещенных мест, а также на первом плане при выявлении материальности предмета. У студентов часто возникает соблазн работать как «красивым мазком», так и «эффектным затеком». В свою очередь творческий подход при создании акварельных работ часто предполагает комплексное использование приемов, методов и не приемлет стереотипных решений выполнения.
Мастерское владение живописными приемами работы акварелью в сочетании с навыками, отработанными до степени совершенства, а также точное выполнение методических рекомендаций, последовательности работы над изображением способствует созданию художественного образа в живописи натюрморта.
Пленэр | Рыбинская детская художественная школа
РАБОТЫ ОБУЧАЮЩИХСЯ
Учебные занятия на открытом воздухе (пленэр) — неотъемлемая часть учебного процесса, в котором применяются навыки, формируемые в рамках различных учебных предметов: рисунка, живописи, композиции.
Пленер является школой для дальнейшего развития данных навыков. Во время занятий на природе учащиеся собирают материал для работы над композицией, изучают особенности работы над пейзажем: законы линейной перспективы и воздушной перспективы, плановости, совершенствуют технические приёмы работы с различными художественными материалами, продолжают знакомство с лучшими работами художников пейзажистов.
Программа по учебному предмету ПО.03.УП.01 «Пленэр»
2 класс
Тема 1. Знакомство с предметом «Пленэр».
Тема 2. Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения.
Тема 3. Наброски, зарисовки птиц, этюды животных, фигуры человека.
Тема 4. Архитектурные мотивы (малые архитектурные формы).
Тема 5.
Натюрморт на пленере.Тема 6. Линейная перспектива ограниченного пространства.
Тема 7. Световоздушная перспектива.
3 класс
Тема 1. Зарисовки первоплановых элементов пейзажа. Этюды деревьев
Тема 2. Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения неба и земли
Тема 3. Архитектурные мотивы
Тема 5. Наброски, зарисовки и этюды птиц, животных человека
Тема 6.
Линейная перспектива глубокого пространстваТема 7. Световоздушная перспектива
Тема 4. Натюрморт на пленэре
4 класс
Тема 1. Зарисовки и этюды первоплановых элементов пейзажа.
Тема 2. Кратковременные этюды и зарисовки пейзажа на большие отношения.
Тема 3. Архитектурные мотивы.
Тема 4. Натюрморт на пленэре.
Тема 5. Зарисовки и этюды птиц, животных и фигуры человека.
Тема 6. Линейная перспектива глубокого пространства.
Тема 7. Световоздушная перспектива.
5 класс
Тема 1. Зарисовки и этюды первоплановых элементов пейзажа.
Тема 2. Кратковременные этюды и зарисовки пейзажа на большие отношения.
Тема 3. Архитектурные мотивы.
Тема 4. Натюрморт на пленэре.
Тема 5. Зарисовки и этюды птиц, животных и фигуры человека.
Тема 6. Линейная перспектива глубокого пространства.
Тема 7. Световоздушная перспектива.
Open Air, натюрморт | Культура
Если вы новичок в истории искусства и не можете отличить свои Рембрандты от Ренуара или Моне от Мане — без стресса, все хорошо.
Но вам, вероятно, было бы полезно узнать имя Фрэнсис Ходжкинс, которая была одной из самых известных артисток нашей страны и довольно крутой девкой. Работая в первой половине 20-го века, Ходжкинс использовал дикие цвета для изображения абстрактных пейзажей в стиле коллажей и натюрмортов. В то время ее работа была довольно передовой и поразила общество, более знакомое с традиционным реализмом.
Прошло 80 лет с тех пор, как Ходжкинс закончил «Натюрморт с фруктовыми блюдами», абстрактный натюрморт с различными фруктами и мечтательным голубым фоном в стиле русалки. Жизнь вдохновлена этим. В этом уникальном шоу несколько основных работ Ходжкина помещены рядом с произведениями современных художников, и все они используют тему «натюрморт» как трамплин для творческих поисков. В результате получается что-то причудливое и прекрасное.
Работы Эрики Ван Зон — это первые работы, с которыми вы сталкиваетесь при входе в зал, они сразу же задают веселый причудливый тон, который украшает все шоу.
Вместо того, чтобы рисовать абстрактные фрукты в яркие цвета, как это делал Ходжкинс, ван Зон разбил различные аспекты натюрморта на физические, буквальные части; плоские ярко окрашенные глиняные арбузы и бананы лежат в стеклянной витрине, как блины необычной формы. Работа Ван Зона — это умный и игривый комментарий к плоскому, многослойному стилю, присутствующему в творчестве Ходжкина.
«Кувшин у моря» Имоджен Тейлор приятно контрастирует с «Красным кувшином» Ходжкинса, а работы Саскии Лик и Джоанны Маргарет Пол также являются продуманным дополнением к выставке.
Но по-настоящему неожиданным событием для меня стал сериал Рональда Грирсона и Ванессы Белл, спрятанный в глубине зала. Оба художника подошли к тематике натюрморта с отличным вниманием к линиям, текстуре и тону, создавая тонкую интерпретацию темы.Хотя эти работы явно связаны с теми же проблемами, что и другие работы, эти произведения предлагают уникальную альтернативу яркому и смелому стилю, который в остальном доминирует в шоу, и эти два стиля дополняют друг друга.
Приятная крошечная выставка «Натюрморт под открытым небом» отлично подходит для изучения творчества выдающегося художника с новых точек зрения.
Верность природе в Национальной галерее
Скажите «живопись на пленэре» — на открытом воздухе — и мы представим себе импрессионистов, которые работают за мольбертами на открытом воздухе и спешат запечатлеть мгновенные эффекты света.(Не говоря уже о том, что их полотна также часто работали в мастерской.) Исторически мыслящие люди будут ссылаться на художников Барбизона, предшественников импрессионистов, которые еще раньше работали непосредственно по мотиву в живописном пейзаже у леса Фонтенбло. Но почти у всех пленэрная живопись ассоциируется с приходом модернизма, поскольку для академически подготовленных художников восемнадцатого и большей части девятнадцатого века фигура, а не мир природы, имела первостепенное значение.Конечно, в этот период были художники-пейзажисты и даже натюрморты, но самые амбициозные стремились стать историческими художниками.
Они хотели представить истории из древности, Библии, мифологии или даже не слишком далекого прошлого, разыгранные крупномасштабными фигурами, отфильтрованными через изучение Греции и Рима и, возможно, Рафаэля. Студенты Академии оттачивали свои навыки, рисуя слепки классических скульптур и, когда это возможно, настоящие классические скульптуры, в конечном итоге переходя к живым моделям, которые выглядели как классические скульптуры, идеализируя их в своих рисунках, чтобы приблизиться к канонически пропорциональной учтивости тех. статуи.Историческая живопись занимала высшее место в иерархии Академии; пейзаж был вторым снизу — только натюрморт был оценен ниже, поскольку рассказывание историй с помощью фигур предполагалось задействовать интеллект и изобретательность, в то время как работа с пейзажем считалась просто имитацией природы. Более того, природа была неправильной и изменчивой. Лучше оставаться дома и сосредоточиться на фигуре, исправляя недостатки, изучая совершенства, как должен был поступить Рафаэль, когда он соединил лучшие качества многих женщин, чтобы создать идеально красивую Мадонну.
Историческая живопись занимает высшее место в иерархии Академии; вторым снизу был пейзаж — ниже оценивался только натюрморт.
Но оказалось, что все было не так просто. Вопреки расхожему мнению, работа непосредственно с натуры имела большое значение для широкого круга художников. Эта увлекательная, менее знакомая сторона истории красноречиво воплощена в жизнь в книге «Верность природе: живопись под открытым небом в Европе, 1780–1870 годы» в Национальной галерее искусств, Вашингтон, округ Колумбия.C. Совместно организована Мэри Мортон, куратором и заведующей отделом французской живописи Национальной галереи; Гер Люйтен, директор Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Париж; и Джейн Манро, хранительница картин, рисунков и гравюр, Музей Фитцуильям, Кембридж, выставка объединяет около сотни масляных набросков — картин на бумаге — пейзажей, городских пейзажей, воды, неба и случайных руин, и все они сделаны непосредственно с натуры. , выбранный из четырех наиболее важных государственных и частных коллекций этих произведений.
Организованная тематически и более или менее хронологически, выставка демонстрирует способ работы, который, как оказалось, был широко распространен среди художников с конца восемнадцатого по девятнадцатый век, но всесторонне изучен только с конца 1970-х годов. Те из нас, кто любит подобные вещи, могут вспомнить некоторые памятные выставки, посвященные этой теме в 1990-х годах, в том числе «В свете Италии, Коро и ранняя живопись под открытым небом», а также недавнюю инсталляцию музея Метрополитен в 2013 году. Великолепный подарок пленэра масляных этюдов от частного коллекционера.«Верный природе» и его красивый информативный каталог представляют нам превосходные примеры, множество сюрпризов, новые знания и интересные откровения о технике и методах. Выставка — это визуальное наслаждение, которое также расширяет наше понимание траектории европейского искусства от времен Французской революции до франко-прусской войны.
Рисование фигуры было основой академического художественного образования в годы, изученные «Верной природой», наряду с изобретением сложных повествовательных образов. но, как мы узнали, даже начинающих художников-историков поощряли к работе на открытом воздухе.Отчасти это было сделано для того, чтобы открыть для себя убедительные установки для мифологических или исторических сюжетов, но, в более общем плане и что более важно, работа на открытом воздухе вынуждала молодых художников иметь дело с нюансами и тонкостями света и цвета, которые нельзя было испытать в studio или узнал из мануалов. В влиятельном трактате художника Пьера-Анри де Валансьена о воспитании художника, опубликованном в 1799–1800 годах, особое внимание уделяется пейзажу, призывая художников рисовать с натуры на пленэре.Валансьен предоставил полезный список стимулирующих тем, посоветовав молодому художнику, среди прочего, наблюдать за галькой под водой, отмечать различия между камнями, отполированными ручьями, и камнями на суше, а также наблюдать извержение вулкана, которое считается последним.
желательно хотя бы раз в жизни ». Художники последовали совету Валансьена. Академии даже проводили конкурсы рисунков на деревьях, на которых за точное изображение конкретных видов вручались призы.
Гениальная складная комбинация ящика для рисования / мольберта / табурета / палитры, выставленных на продажу в девятнадцатом веке, свидетельствует о растущей популярности живописи на пленэре, но вряд ли стоит говорить, что все это рассматривалось только как средство для достижения цели. .Работы, написанные на пленэре, рассматривались как исследования, предпринятые для обучения глаз и создания мотивов, возможно, для будущего использования. Они были студийными помощниками, обычно нарисованными на непрочных поверхностях, не считавшимися законченными картинами или предназначенными для выставки. В лучшем случае их можно было показать коллегам-художникам, в чьей компании они часто бывали. Иногда их крепили на холст, чтобы сделать их более прочными. В других случаях от них в конце концов отказывались.
Вопреки расхожему мнению, работа непосредственно с натуры на самом деле имела огромное значение для широкого круга художников.
Живопись на открытом воздухе означала быструю работу — Валансьен рекомендует тратить не более двух часов на изображение пейзажа и не более получаса на эффект заката или облака, чтобы оставаться верным изменяющимся качествам света. Готовые работы, выполненные в студии, должны были быть тщательно проработанными и гладкими, а поверхности, характеризуемые как léché — вылизанные, — со временем достигаются с помощью наслоений, глазури и невидимых мазков. Живопись маслом на открытом воздухе требовала подхода, противоположного осторожности студии.Скорость была важна. Средства были ограничены из-за сложности транспортировки материалов. Цвета были сведены к минимуму. Бумага, а не холст, была предпочтительнее, поскольку она легче и расходнее. Из-за того, как краска движется по бумаге, можно было работать быстро и свободно, намекая на вещи, а не тщательно их описывая.
Каждое прикосновение кисти должно было быть полностью продуманным с самого начала; не было времени для колебаний, суеты или переделки. Однако подвижность предмета затрудняла принятие решения.Ветви и листва колыхались на ветру. Свет сместился. В ответ на это художники разработали всевозможные «уловки» для быстрого и целесообразного достижения эффектов: использование пальцев вместо кистей, надрезание концом кисти, перетаскивание слегка нагруженной жесткой кисти для изменения тона и интенсивности по мере того, как краска опускается, полагаясь на одиночный перегибный штрих, а не перекрашивание разными оттенками. И больше. Пристальное внимание к работам в «Истинной природе» позволяет нам видеть эти полезные ярлыки, которые кажутся разными в каждом эскизе.Кажется, что каждый художник независимо изобрел свой собственный набор экономящих время аппликаций и эффектов. Считается, что над некоторыми произведениями заново работали в студии, но даже они поразительно экономичны.
Как показывает подборка в Национальной галерее, эти небольшие этюды, выполненные быстро, на месте, отличаются непосредственностью, свежестью и прямотой, в отличие от уравновешенных, тщательно законченных академических картин того времени, какими бы ни были их сюжеты.
для выставки.Эта непосредственность и свежесть делают масляные наброски, написанные на открытом воздухе, чрезвычайно привлекательными для современных глаз, обученных импрессионистами и модернизмом в целом ценить работы, раскрывающие историю их создания — отсюда растущий интерес к пленэрам на бумаге в двадцатом века и, следовательно, большая часть удовольствия от «True to Nature». Есть и удовольствие от неожиданного: потрясающие работы художников, о которых мы никогда не слышали, или чьи имена мы читали, но никогда не регистрировали, не только противостоят интимным маленьким картинам своих более известных коллег, но и иногда затмевают их. .
Мы начинаем с «Рима и Кампаньи», срезки многих международных художников, работающих в Риме самостоятельно или в качестве лауреатов призов из различных национальных академий — французской и голландской.
Бельгийцы, немцы, англичане, швейцарцы и скандинавы — все они северяне, восхищенные светом и очарованные разрушенными остатками старины.Некоторые, как мы узнаем, никогда больше не вернулись домой. Лучезарное произведение Жана-Батиста-Камиля Коро «Остров и мост Сан-Бартоломео в Риме (1825–1828 гг.) С его геометрической архитектурой и мерцающей водой сначала привлекает наше внимание, но вскоре мы обнаруживаем, висящие бок о бок, пару Из окон открывается вид на виллу Медичи, где расположена Французская академия, и на прилегающую церковь Санта-Тринита-деи-Монти, на вершине Испанской лестницы. Луи Дюпре показывает нам залитое солнцем здание под ярко-синим небом, над садами виллы, вид на ок.1817. Андре Жиру, работавший с той же точки зрения в 1825–1830 годах, предлагает церковь и сады, покрытые снегом — редкое явление в Риме — под бурлящими облаками; толстые, случайные мазки белой краски вызывают скопления снега на крышах и верхушках деревьев, в то время как прорезанные черточки указывают на заглубленные грядки в сияющей синей атмосфере.
В соседних работах вид на окружающую сельскую местность, подчеркнутый четырехугольными зданиями, свидетельствует о том, как соблазнительный итальянский свет воздействует на художников с серого Севера.
Некоторые бесстрашные художники отправились дальше на юг, в Неаполь и даже на Капри, что проявило особую решимость из-за трудностей навигации по его скалистому побережью и крошечной гавани, защищенной опасными скалами. О том, что путешествие стоило затраченных усилий, свидетельствуют два вида на беседку с белыми колоннами, увитую виноградом, на фоне ряда залитых солнцем деревьев, нарисованную около 1820 года уроженцем Неаполя голландцем Антоном Сминком Питлоо. Дополнительное свидетельство — это недатированный снимок олеандра в горшке на террасе в слепящем солнечном свете, сделанный анонимным французским художником XIX века.В другом месте мускулистые, энергичные исследования водопадов, скал, обрывов, густой листвы, закатов и извержения Везувия предполагают, что предложения Валансьена о поиске самых разнообразных предметов принимались всерьез.
Насколько широко распространилась практика работы на открытом воздухе, документально подтверждают картины, сделанные не в Италии, а в родных странах художников — одно из этюдов эфемерных облаков Джона Констебля, написанное в Англии в 1821–1822 годах, или недатированный, вызывающий воспоминания , очевидно, французский ряд деревьев в тумане. Автор Rosa Bonheur.
Везде можно сделать удивительные открытия, например, крошечный, экономичный, довольно нетипичный замок Эдгара Дега из Каподимонте (ок. 1856 г.) или мечтательный, недатированный вид Одилона Редона на деревню на побережье Бретани. , совершенно непохожий на все, что мы ассоциируем с этим дальновидным художником.Виды живописной архитектуры на севере, такие как монастырь Альпирсбах Фредерика Сёдринга около Фройденштадта (Шварцвальд) (конец 1830-х гг.), С его игрой плоских прямоугольников и богатым сочетанием текстур, позволяют предположить, что художники, чей аппетит к определенным видам образов был Раздраженный в Италии продолжал искать аналогичные темы по возвращении домой.
Среди самых больших сюрпризов выставки — работы Луизы-Жозефины Саразин де Бельмонт, которой запретили поступать в Академию из-за ее пола, она училась в частном порядке с Валансьеном и, что примечательно, сделала очень успешную карьеру, выставляясь в Салонах и финансируя ее. обширные поездки с продажами своих работ.Почти двадцать пять лет она жила в Италии, занимаясь рисованием во многих местах. Взгляните на экспозицию откровенного, смело начищенного, освещенного светом Римского театра в Таормине (1828 г.) с вулканом Этна и грибовидным облаком дыма от вулкана, образующим розовато-серую фольгу вместо теплых схематичных руин на переднем плане.
Не менее удивителен, но по другим причинам, необычно большой — двадцать девять на тридцать шесть и пять восьмых дюймов — вид Парижа со стороны Медона без даты, все колющие отпечатки пальцев, мутные пятна и широкие размытые мазки.
в ограниченной палитре серых и не совсем белых оттенков на коричневом фоне.Картина настолько расплывчата и наводит на размышления, что трудно вспомнить, что Мишель умер в 1843 году. Однако из-за явной дерзости трудно превзойти взрывное «Исследование волн, разбивающихся о камни на закате» барона Франсуа Жерара с его конфронтационной точкой зрения, Прото-Ab Ex взмахи импасто и его энергичные взмахи зловещего серого на фоне мрачного лососевого неба. Столкнувшись с этим беспрепятственным всплеском конфликтующих щедрых мазков, кажется невозможным поверить, что Барон учился у дотошного неоклассика Жака-Луи Давида.Но это часть восхищения, вызванного картинами из «Истинной природы». Часто мы чувствуем, что нам разрешают видеть частные работы, которые дают художнику полную волю удовольствия от манипулирования отзывчивым материалом или передают глубокие чувства, не опосредованные правилами или ожиданиями. Часто на протяжении всего шоу нас соблазняет физическая природа краски и волнует воспоминание об определенном качестве света, времени суток, времени года или места, так что время выходит за рамки.
Мы начинаем забывать о реальном предназначении этих ярких маленьких картин и о том, когда они были созданы.Но затем мы начинаем осознавать твердую геометрическую основу даже самых ярких образов и снова оказываемся в неоклассическом мире Академии. Это противоречие также является частью того, что делает скромные, небрежные картины в «Истинной природе» такими убедительными и полезными.
Превосходный каталог с эссе кураторов и нескольких других выдающихся ученых в этой области похож на ускоренный курс эстетики девятнадцатого века.Также есть увлекательная глава о технике и материалах консерватора Анн Хёнигсвальд, а также биографии художников-капсул. Если бы только цвет на обильных репродукциях был точнее.
Карен Вилкин — независимый куратор и критик.
Эта статья впервые появилась в The New Criterion, Volume 38 Number 7, на странице 41
Copyright © 2021 The New Criterion | www.
newcriterion.com
https://newcriterion.com/issues/2020/3/true-to-nature-at-the-national-gallery
Пресс-релиз | Chickasaw Nation
Мастерская масляной живописи погружается в динамику натюрморта
Дата выпуска: 16 марта 2018 г.
, Управление по связям со СМИ Чикасо нации
ADA, Окла.- Поиск вдохновения в природе и ее внутреннем художнике привел художницу из Чикасо Гей Фолкенберри по пути создания и разделения своей любви к искусству.
Участники смогут наблюдать и создавать свои собственные произведения искусства во время предстоящего семинара Фолкенберри «Открывая красоту натюрморта».
Трехдневный семинар будет проходить с пятницы, 6 апреля, по воскресенье, 8 апреля, в Доме искусств и гуманитарных наук, 201 N. Broadway Ave.
Студенты мастерской будут рисовать натюрморты маслом каждый день под индивидуальным руководством преподавателя рисования.
Известная своим импрессионистическим подходом к цвету и свету, Фолкенберри известна пленэрами городских и сельских пейзажей, а также студийными картинами интимных натюрмортов, цветов и интерьеров.
Картина «на пленэре», как ее называют французы, представляет собой акт живописи на открытом воздухе или на открытом воздухе.
«Моя любовь к цвету вдохновляет меня на решение одной из величайших задач: рисовать с натуры», — сказал Фолкенберри. «Я стремлюсь запечатлеть волнение и тонкие нюансы бесчисленного множества красных цветов на маковом поле, ценности в зарослях золотой осины, отраженные оттенки в тени или свечение лепестка цветка, освещенного сзади.”
Повзрослев, Фолкенберри пошла по пути признательности к природе и искусству под руководством ее бабушки Билли Ролз, которая также была художницей, ее матери, изучавшей искусство, и ее отца, который работал геологом.
Художественное путешествие Фолкенберри привело ее по штатам и за границу, где она училась, рисовала, исследовала и преподавала. Это привело ее в такие места, как Флорида, Монтана, Калифорния, Колорадо, Вермонт, Коннектикут и Северная Каролина. Она также завершила сольное приключение по Франции.
«Для создания успешной картины необходимо столько граней; хороший рисунок, композиция, правильные ценности, интересная работа кистью и, что не менее важно, страсть к своему предмету! » — сказал Фолкенбери. «Это процесс их совместной работы».
Во время семинара Фолкенберри объяснит важность настройки, композиции, понимания цвета и ценности и создания картины от начала до конца.
Приветствуются все уровни покраски. Требуются навыки рисования и опыт смешивания цветов.Список поставок красок и материалов будет доступен при регистрации.
Семинар доступен для публики по цене 300 долларов за участника, 150 долларов при регистрации.
Для получения дополнительной информации о Faulkenberry посетите сайт gayfaulkenberry.com. Чтобы зарегистрироваться, свяжитесь с гуманитарными и гуманитарными науками по телефону 580-272-5520 или со Стэном Поллардом по адресу [email protected].
НОВЫЙ пленэрный фестиваль в Морро-Бэй, Калифорния Весна 2020
Морро-Бэй, Калифорния, 16 декабря 2019 г.
— Невозможно спутать Морро-Бэй с любым другим серф-городом Калифорнии.Не только из-за невероятно активной окружающей среды с действующей гаванью и километрами чистых пляжей. Не только для естественного лимана, наполненного бесконечной наблюдаемой дикой природой, не говоря уже о массивной древней вулканической пробке, известной как Морро-Рок, которая возвышается на 576 футов от океана. Неа. Но потому, что он также наполнен невероятно талантливыми художниками, демонстрирующими работы во всех мыслимых художественных средах, от сказочного центра искусств Морро Бэй до модных и прекрасных галерей, которые можно найти по всему городу. Просто прогуляйтесь по очаровательной деревне в центре города или прогуляйтесь по действующей набережной Эмбаркадеро, расположенной прямо на набережной, и вы все убедитесь в этом сами.
«Для многих художников Морро-Бэй — идеальное место, чтобы достать фотоаппарат или мольберты и запечатлеть всю их красоту», — объясняет Патрисия Ньютон, президент Ассоциации художников Морро-Бэй.
«Это идеальное место для местных жителей и гостей города, где можно насладиться захватывающими видами на холмы и море. Не говоря уже о том, чтобы исследовать все великолепные способы интерпретации искусства и красоты художниками Морро-Бэй во множестве галерей и магазинов ».
НОВОЕ СОБЫТИЕ: Фестиваль пленэрного искусства Морро Бэй, 13-16 апреля 2020 г.
Morro Bay Tourism рада сообщить, что первый пленэрный арт-фестиваль в Морро-Бей запланирован на весну 2020 года.Есть много способов принять участие: посмотреть художественные демонстрации, принять участие в двухдневном семинаре, зарегистрироваться для участия в дневном PAINT OUT, принять участие в розыгрыше и посетить VIP-вечеринку!
Что такое пленэр?
Пленэр означает оставить четыре стены внутренней студии и рисовать на открытом воздухе на открытом воздухе. Этот стиль живописи был действительно превращен в форму искусства французскими импрессионистами с их желанием рисовать свет и его постоянно меняющиеся эфемерные качества.
Это дало художникам свободу рисовать «на пленэре», что по французски означает «на открытом воздухе».
БЕСПЛАТНО: Пленэр с участием международного художника и инструктора Гвидо Фрика
13 апреля 2020 г., 15:00
Не пропустите художественную демонстрацию международного художника Гвидо Фрика в Art Center Morro Bay. Фрик родился в Констанце, Германия, изучал искусство в Праге, Чехословакия. Фрик преподает своему импрессионистскому стилю всю Европу и запад Соединенных Штатов.Передавая настроение маслом и акварелью, он подходит к каждой теме смелыми и энергичными мазками, используя яркие цвета. Это мероприятие бесплатно и открыто для каждого.
Мастерская: Пленэрный натюрморт и пейзаж, с Гвидо Фриком
14 и 15 апреля 2020 г.
День 1: Студенты будут работать над натюрмортами по своему выбору, рисуя на открытом воздухе, чтобы запечатлеть сложность работы с цветом при солнечном свете.
После введения и теоретического обучения последует демонстрация, а затем студенты будут рисовать.
День 2: Студенты будут рисовать пленэрный пейзаж в указанном месте в заливе Морро. Будет предоставлена полная демонстрация ландшафта. Гвидо Фрик будет распространять личные инструкции. В конце каждого занятия он будет критиковать вашу работу и давать индивидуальные идеи и индивидуальную помощь.
Зарегистрироваться для PAINT OUT
16 апреля 2020 г., 8:00 — 14:00
Проведите день на пленэре PAINT OUT, начав с континентального завтрака в Art Center Morro Bay.Зарегистрированные художники отправятся в определенные места по всему Морро-Бей, чтобы рисовать «на пленэре» до 14:00, когда группа переедет в гостиницу в Морро-Бей, расположенную в государственном парке Морро-Бей, где мокрые картины в рамке будут сданы 3: 30 за судейство, награды и тихий аукцион.
VIP-вечеринка, Quick Draw, PAINT OUT Awards и Silent & Live Auctions в гостинице в Морро-Бэй
16 апреля 2020 г.
16 апреля 2020 г. 16:00 — 20:30
VIP-вечеринка начинается сегодня днем с живой музыки, вина и легких закусок, а также предварительных торгов завершенных работ PAINT OUT и молчаливого предварительного аукциона.Затем эта вечеринка превращается в соревнование по быстрой розыгрыше в элегантной таверне в Морро-Бэй. Художник может располагаться в различных местах как внутри, так и за пределами гостиницы по своему выбору. После этого азарт продолжается вручением наград, призов и аукциона произведений искусства Quick Draw. Не пропустите это веселое мероприятие!
Загляните в эти галереи #morrobaymaker и будьте готовы вдохновиться:
- Art Center Morro Bay
835 Main Street, Morro Bay, CA 93442; (805) 772-2504
Расположенный в историческом центре города, Art Center Morro Bay был центром искусства в этом сообществе на протяжении последних 60 лет.Центр открыт ежедневно с 10:00 до 16:00 и предлагает уроки, демонстрации, художественные мероприятия и выставки.
Центр известен как центр изобразительного искусства в заливе Морро. Найдите местные картины, рисунки, гравюры, скульптуры, украшения, открытки и многое другое в двух просторных галереях Art Center, одном из крупнейших мест на Центральном побережье, где выставляются изобразительные искусства региональных и местных художников. - Галерея на площади Марина
601 Эмбаркадеро (наверху), Морро-Бэй, Калифорния 93442; (805) 772-1068
Галерея на Марина-Сквер — это семья, состоящая из более чем 60 отмеченных наградами профессиональных художников, у которых есть страсть к художественному самовыражению.Они полагаются друг на друга в вопросах поддержки и поощрения, и им нравится общаться со всеми, кто входит в их двери. Посетите их студии на площади Марина вдоль набережной Эмбаркадеро в заливе Морро и посмотрите ежемесячные приемы художников. Открыто ежедневно с 10 до 18 - Галерея изящных искусств Дэвида Дж. Роджерса
407 бульвар Морро Бэй, Морро Бэй, Калифорния 93442; (805) 225-5077
В этой галерее изобразительного искусства представлены исключительно уникальные и яркие акварельные картины Дэвида Дж.Роджерс. Наслаждайтесь захватывающими и уникальными акварельными картинами в теплой и уютной атмосфере, где у Дэвида также есть рабочая студия, и он часто рисует в течение дня. Присоединяйтесь к нам на один из акварельных мастер-классов Дэвида. Дэвид обучает уникальному методу рисования, который он разработал более 20 лет как профессиональный художник-самоучка. - Галерея Фионы Блю
900 Эмбаркадеро, Морро Бэй, Калифорния 93442; (805) 772-0541
В галерее Fiona Bleu представлена коллекция современных, модных и модных произведений искусства.Трудно не заметить колорит и креативность этой галереи вдоль набережной Эмбаркадеро в заливе Морро. Заходите, просматривайте и покупайте вещи, которые прослужат всю жизнь. Открыто ежедневно с 10 до 18 - Паула Радке Художественное стекло
701 Эмбаркадеро, Морро Бэй, Калифорния 93442; (805) 459-3329
Проведите время, посетив студию и галерею, или возьмите уроки, предлагаемые всемирно известным художником по стеклу Паулой Радке. В галерее можно приобрести бусины из дихроичного стекла ручной работы, украшения и тарелки из плавленого стекла.Регулярные семинары доступны в различных техниках стекла, включая фьюзинг, лэмпворк, художественную глину и электроформование. Открыто ежедневно - Forever Stoked
1164 Quintana Road, Morro Bay, CA 93442; (805) 772-9095
Миссия этого низового художественного коллектива — распространять позитивную энергию через произведения искусства. Художники делают это на природе, используя прибой и океан как источник вдохновения для многих художников коллектива. Здесь вы найдете холсты ограниченного выпуска, репродукции из бумаги, уникальные поздравительные открытки, искусство конопли, художественную одежду, шляпы, нашивки и многое другое. Открыт для малярных вечеринок и частных просмотров - Художественная галерея Роберта Грея
561 Эмбаркадеро, Морро-Бэй, Калифорния 93442; (805) 772-3911
Галерея Роберта Грея — это праздник и собрание местных художников, которые собираются в одном месте вдоль Эмбаркадеро, чтобы продемонстрировать свои произведения искусства. Остановитесь и получите вдохновение от больших и маленьких произведений искусства, которые можно добавить в свой дом, и в свои воспоминания о заливе Морро. Открыто ежедневно - Suite 1 Gallery
601 Эмбаркадеро, Морро Бэй, Калифорния 93442; (805) 464-1917
Эта галерея с полным спектром услуг предлагает выдающиеся произведения искусства и инструкции владельцев и нескольких местных художников.Найдите красивые украшения, искусство, фотографию и рабочую студию на сайте. Открыто ежедневно
Центр известен как центр изобразительного искусства в заливе Морро. Найдите местные картины, рисунки, гравюры, скульптуры, украшения, открытки и многое другое в двух просторных галереях Art Center, одном из крупнейших мест на Центральном побережье, где выставляются изобразительные искусства региональных и местных художников.
Роджерса 
Открыто ежедневно с 10 до 18
Открыт для малярных вечеринок и частных просмотров Для получения дополнительной информации обо всех интересных вещах, которые стоит увидеть и чем заняться в Морро-Бэй, посетите www.
morrobay.org.
###
О заливе Морро
Настоящее место для отдыха на природе, эта активная приморская рыбацкая деревня с шумной набережной предлагает веселый и веселый отдых для путешественников, которые ищут отличное вино, морепродукты и приключения на открытом воздухе, наполненные дикой природой.Расположенный вдоль прибрежной автомагистрали 1 в округе Сан-Луис-Обиспо к югу от Биг-Сура, на полпути между Лос-Анджелесом и Сан-Франциско, Морро-Бэй предлагает круглогодичные развлечения в нетронутом уголке Калифорнии. От гольфа на берегу океана, каякинга, парусного спорта, пеших прогулок, рыбалки, серфинга, езды на велосипеде и наблюдения за птицами до воздушных змеев, покупок, ресторанов, винных баров, местного ремесленного пива и миль нетронутых пляжей — каждый найдет что-то для себя.
Величественно расположенная между пляжем и гаванью знаменитая и историческая достопримечательность Морро-Рок приветствует путешественников, приближающихся к заливу Морро, издалека.
Расположенный всего в нескольких минутах от всемирно известного замка Херст, исторических миссий, захватывающего дух парка штата Монтана-де-Оро и в окружении виноградников от Пасо Роблес до долины Эдна, Морро-Бэй — это место, предназначенное для любого стиля и бюджета для семей, пар или групп. Морро-Бэй также предлагает множество круглогодичных мероприятий, включая фестивали еды, вина и музыки, художественные ярмарки и автомобильные шоу, уникальные для этого города. Для получения дополнительной туристической информации посетите www.morrobay.org или подпишитесь на Морро Бэй в Facebook, Instagram, Twitter и Pinterest.
Клод Моне | Биография, Искусство, Кувшинки, Стога сена, Впечатление: Восход и факты
Клод Моне , полностью Оскар-Клод Моне , (родился 14 ноября 1840 года, Париж, Франция — умер 5 декабря 1926 года в Живерни) , Французский художник, являвшийся зачинателем, лидером и непоколебимым сторонником стиля импрессионизм.
В своих зрелых работах Моне развил свой метод создания повторных исследований одного и того же мотива в серии, меняя холсты с помощью света или по мере того, как менялся его интерес.Эти серии часто выставлялись группами — например, его изображения стогов сена (1890/91) и Руанского собора (1894). В своем доме в Живерни Моне создал пруд с водяными лилиями, который послужил вдохновением для его последней серии картин. Его популярность резко возросла во второй половине 20-го века, когда его работы путешествовали по миру на музейных выставках, которые привлекали рекордные толпы и продавали популярные коммерческие предметы с изображениями из его искусства.
Популярные вопросы
Какими были ранние годы жизни Клода Моне?
Когда Клоду Моне было пять лет, он с семьей переехал на побережье Нормандии, недалеко от Гавра, Франция.Его детство прошло на пляжах, и глубокие познания, которые он получил о море и быстро меняющейся норманнской погоде, позже повлияли на его искусство, которое отражало его свежее видение природы.
Где получил образование Клод Моне?
Клод Моне не получил формального художественного образования, но учился неформально у других художников. Подростком он учился рисованию у местного художника. Позже Моне подружился с Эженом Буденом, который познакомил его с живописью на открытом воздухе.К неудовольствию его семьи, Моне отказался поступать в Школу изящных искусств.
Чем знаменит Клод Моне?
Клод Моне прославился как инициатор, лидер и непоколебимый защитник стиля импрессионизма. В своей работе он не пытался точно воспроизвести сцену, детально исследованную, а скорее попытался зафиксировать на месте впечатление, которое произвело на него расслабленное мгновенное видение сцены.
Как Клод Моне повлиял на других?
Влияние Клода Моне на других художников было широким, от его ближайших современников, таких как Винсент Ван Гог, до различных художников нового поколения, таких как Пьер Боннар и Анри Матисс.
Посещающие американские художники переняли его свежую палитру, тематику и спонтанный стиль и в конечном итоге привнесли эти элементы в американское искусство.
Детство и ранние работы
Когда Клоду, старшему сыну Адольфа Моне, бакалейщика, было пять лет, семья переехала на побережье Нормандии, недалеко от Гавра, где его отец взял на себя управление процветающим кораблем его семьи. -чандлерский и продуктовый бизнес. Это событие имеет не только биографическое значение, потому что это было детство Моне, проведенное на пляжах, и глубокие познания, которые он получил о море и быстро меняющейся норманнской погоде, которые однажды породили его новое видение природы.Первый успех Моне как художника пришелся на 15-летнюю продажу карикатур, за которыми тщательно наблюдали и хорошо рисовали. В эти ранние годы он также делал карандашные наброски парусных кораблей, которые были почти техническими по своей ясной описательности. Его тетя, Мари-Жанна Лекадр, была художницей-любителем, и, возможно, по ее предложению Клод пошел учиться рисованию у местного художника.
Но его жизнь как художника не началась до тех пор, пока он не подружился с Эженом Буденом, который познакомил несколько высокомерного ученика с практикой — тогда необычной — рисования на открытом воздухе.Этот опыт определил направление для Моне, который на протяжении более 60 лет сосредоточился на видимых явлениях и на разработке эффективных методов преобразования восприятия в пигмент.
Хотя масляные пейзажи писали, по крайней мере, с XVI века, обычно они создавались в студии — воспоминания, а не прямые впечатления от наблюдений за природой. Английские художники Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер делал небольшие наброски маслом на открытом воздухе до 1810 года, но маловероятно, что Моне знал об этих исследованиях.Он впервые посетил Париж в 1859–1860 годах, где был впечатлен работами художников барбизонской школы Шарля Добиньи и Константа Тройона. К неудовольствию его семьи, он отказался поступать в Школу изящных искусств. Вместо этого он часто посещал прибежища продвинутых художников и работал в Académie Suisse, где познакомился с Камилем Писсарро.
Это неформальное обучение было прервано призывом на военную службу; он служил с 1861 по 1862 год в Алжире, где его волновал африканский свет и цвет.Выбор Моне Алжира для службы был, возможно, результатом его восхищения художником-романтиком Эженом Делакруа, на колористические работы которого повлияла поездка в Марокко в 1832 году.
В 1862 году Моне вернулся в Гавр, возможно, из-за болезни, и снова нарисовал море вместе с Буденом, а также познакомился с голландским маринистом Йоханом Бартольдом Йонгкиндом. Позже в том же году он продолжил обучение в Париже, на этот раз с академиком Шарлем Глейром, в ателье которого он познакомился с художниками Фредериком Базилем, Альфредом Сислей и Пьером-Огюстом Ренуаром.После разногласий со своим хозяином группа отправилась в деревню Шайи-ан-Бьер, недалеко от Барбизона, в лесу Фонтенбло. Именно в этот период — или, по крайней мере, до 1872 года — Моне открыл японские гравюры, декоративность и плоскостность которых оказали сильное влияние на развитие современной живописи во Франции.
Исключительные достижения плодовитого периода юности Моне можно измерить в работах, выполненных между 1865 и 1870 годами, до того, как он начал фрагментировать свои мазки на характерные ломаные штрихи, которые должны были стать отличительной чертой стиля импрессионизма.Одной из самых амбициозных из этих ранних работ (которая так и не была закончена, предположительно из-за негативных комментариев Гюстава Курбе) была Le Déjeuner sur l’herbe (1865–66; «Завтрак на траве»), названная в честь произведения Эдуарда Мане. печально известная картина, показанная в Салоне отказов в 1863 году. В отличие от шедевра Мане, который представлял собой шокирующую адаптацию визуальной идеи эпохи Возрождения к современной обстановке, картина Моне представляла собой совершенно современное, но ничем не провокационное изображение группы модно одетых пикников на природе. лес Фонтенбло.Однако Моне разделял с Мане заботу о представлении реальных сцен современной жизни, а не надуманных исторических, романтических или фантастических сюжетов.
Таким образом, картина Моне Déjeuner была продолжением реализма Курбе в силу более непосредственного эмпиризма.
В широком смысле импрессионизм был праздником удовольствий жизни среднего класса; действительно, сюжет Моне этого периода часто связан с домашними сценами с женой, сыном и садом.И все же картина la vie moderne («современная жизнь») не должна была быть главной целью искусства Моне. Более важным в его случае был его неустанный поиск живописных средств для воплощения своего радикального взгляда на природу. В большей степени, чем его амбициозные картины, такие работы, как На берегу Сены, Беннекур (1868) или Пляж в Сент-Адрессе (1867), дают четкое представление о продвижении Моне к стилю импрессионизма. На фотографиях пляжа и моря 1865–1867 годов Моне явно не пытался точно воспроизвести сцену перед ним в детальном рассмотрении, а скорее пытался записать на месте впечатление, которое может получить расслабленное мгновенное зрение — то, что видно, а не то, что известен со всей его живостью и движением.
Лодки, здания, случайные фигуры и галечный пляж быстро окрашиваются в плоские цветные узоры, без особого внимания к их весу и прочности.
Пляж в Сент-Адрессе , холст, масло, Клод Моне, 1867; в Институте искусств Чикаго.
Мемориальная коллекция мистера и миссис Льюис Ларнед Кобурн, 1933. 439 / Фотография © Чикагский институт искусствКлассификация картин изобразительного искусства по жанрам
Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им на:
Как классифицируются картины изобразительного искусства?
Наиболее распространенный метод классификации картин изобразительного искусства — по жанрам (или тематике).Жанр — это французское слово, которое означает «тип» или «вид», и это означает, что оно относится к типу изображения, которое картина изображает как предмет. Будь то пейзаж, портрет, натюрморт, морской пейзаж и т. Д., Картины классифицируются по тому, что на них изображено.
Общие темы рисования
Абстрактное искусствоАбстрактное искусство — это произведение искусства, которое выглядит так, будто оно было случайно создано двухлетним ребенком. Он не имеет определенного значения и стремится оторваться от традиционного представления физических объектов в реальной жизни.Чаще всего абстрактное искусство представляет собой набор бессмысленных форм, фактур и цветов, случайно брошенных на холст. Его цель — позволить зрителю интерпретировать его значение для себя. На фото — образец абстрактного искусства.
Городской пейзаж Городские пейзажи, или, как его иногда называют, Городские пейзажи, — это картины, предметом которых являются физические аспекты города, городская жизнь, части города (например, городской квартал, угол улицы, летнее кафе, крыши и т. Д. .) Или другой городской район. Townscape похож на городской пейзаж, только это городок с меньшим населением и, возможно, менее современной архитектурой.
Показан пример городского пейзажа или городского пейзажа.
Жанровое искусство — это искусство сцены повседневной жизни, которое изображает реальную жизнь в действии с обычными людьми на работе или в развлекательных ситуациях. Эти типовые произведения искусства включают интимные сцены повседневной жизни, костюмы, домашнюю обстановку, интерьеры, праздники, сцены в тавернах, рынки и другие уличные ситуации.Он также может показывать оживленную улицу, пляжную вечеринку, собрание за ужином или любое место, где продолжается жизнь. Сюжеты часто изображаются в реалистичном стиле. См. Пример жанрового искусства.
Исторические Исторические картины , которые также называют Исторические картины , изображают момент в истории человечества, и их не следует путать с жанровыми картинами, на которых изображены сцены повседневной жизни. Исторические картины могут включать в себя ряд исторических предметов и тем и часто иллюстрировать часть истории или значительного события.
Показан пример исторической или исторической живописи.
Пейзажи картин изображают красоту природы с ее естественными пейзажами гор, долин, лугов, деревьев, рек, лесов, неба и погоды. Он может даже включать сельскую местность, фермы и строения, которые можно было бы там найти. Например, ограждение, мост, сарай, ветряная мельница или фермерский дом. См. Пример пейзажной живописи. Название: Горы Гранд Тетон
Морское искусство Морское искусство или Морское искусство черпает вдохновение в море.Этот жанр искусства изображает жизнь в открытом море, лодки и корабли, рыбаков и т. Д. Он включает в себя искусство, показывающее судоходство на реках и устьях, пляжные сцены и все искусство, показывающее лодки и корабли. Он почти всегда включает в себя какой-либо элемент морского судна. Портреты кораблей — это все еще популярный вид морского искусства, в котором изображено одно судно. Обратите внимание на пример морского или морского искусства.
Наивное искусство — это произведения искусства, характеризующиеся детской простотой, обладающей мельчайшими деталями, яркими насыщенными цветами, непропорциональными фигурами и отсутствием перспективы.На нем изображены простые, понятные и часто романтизирующие сцены повседневной жизни. Отсутствие перспективы часто создает иллюзию того, что фигуры на наивных картинах невесомые или парящие. Наивные художники — это часто художники-самоучки, практически не имеющие формального художественного образования. Справа — образец наивного искусства.
Портрет Портрет — это художественное изображение человека, особенно лица. Помимо подобия, суть портрета также отражает настроение и индивидуальность объекта.На портрете человека может быть только лицо, голова и плечи или все тело. Многие портреты состоят из человека, стоящего в неподвижном положении, и часто объект смотрит прямо на художника. В этот жанр входят групповых портретов, (состоящих более чем из одного человека), автопортреты и портреты домашних животных.
Автопортрет — это портрет, на котором художник изображает самого себя. Портреты домашних животных любимых домашних животных также могут быть в этой категории, однако животные обычно попадают в категорию диких животных.
Религиозное искусство или Священное искусство — это любое художественное изображение, использующее религиозное вдохновение для выражения послания, направленного на повышение нравственности человека, наблюдающего за произведением искусства. Сюжетом может быть страшная история или исповедание веры художника. Религия означает любой набор индивидуальных убеждений, христианских или нехристианских, которые считаются священными, святыми, духовными или божественными. Показан образец религиозного искусства под названием Стол для причастия .
Космическое искусство Космическое искусство (иногда именуемое Астрономическое искусство ) — это жанр искусства, который пытается передать идеи и понимание, связанные с бесконечным разнообразием и обширностью космического пространства, изображая межзвездные и межпланетные элементы в качестве его предмета.
Все это стало возможным с изобретением телескопов, позволяющих смотреть за пределы нашего мира. Художники теперь могут отображать то, что они видят, и пытаться запечатлеть чудеса и величие нашей вселенной.В космическом искусстве можно найти планеты, звезды, созвездия, космические корабли, космонавтов, черные целые, луны, кометы и другие небесные тела. Некоторые другие художественные термины, относящиеся к этой категории, включают лунный пейзаж, лунный пейзаж, закат луны и т. Д.
Морской пейзаж Картины во многом похожи на пейзажи, только в этом жанре искусства изображено море с морскими пейзажами, пляжными сценами, рыбами и морскими животными или видами на сам океан. Рыбу и других морских животных также можно отнести к дикой природе.Морские пейзажи не следует путать с морским искусством, которое изображает жизнь в открытом море, не обязательно морской пейзаж.
Натюрморт Натюрморт На картинах изображены неодушевленные предметы повседневного пользования, разложенные на столе или другой подобной поверхности.
Используемые предметы могут быть как естественными, так и искусственными. Примерами природных объектов могут быть цветы, еда, вино, камни, ракушки, черепа мертвых животных и т. Д., А промышленными предметами могут быть стаканы для питья, книги, бутылки, керамика, монеты, посуда, музыкальные инструменты и т. Д.
Искусство дикой природы характеризуется как произведения искусства, изображающие мир природы и диких животных или одомашненных животных, населяющих его. Это один из самых ранних видов искусства, восходящий к доисторическим наскальным рисункам. Портреты животных или рыб (будь то дикие животные или домашние животные) также могли бы вписаться в этот жанр. Показанный образец искусства дикой природы назван Raging African Elephant .
Дополнительное чтение
Знай свое искусство Стилей рисования: 7 самых популярных
Каковы классификации искусства?
Ваша поддержка
Данная информация в сфере искусства предоставляется БЕСПЛАТНО.
Чтобы сделать его бесплатным для вас и других, пожалуйста, купите картину на этом сайте. Ваша поддержка искусства очень признательна.
Спасибо, что прочитали это!
Не стесняйтесь поделиться этим со своими друзьями.
Понравилась эта страница? Пожалуйста, поделитесь им:
Тэмси Ринглер –– Миннеаполисский институт искусств
Выставка MAEP Тэмси Ринглер исследует двойственность натюрморта, почтенного жанра искусства, который прославляет удовольствие, даже когда предупреждает о краткости жизни.В традиционных натюрмортах искусственные или природные объекты помещаются в составное пространство, сохраняя их на незапамятные времена. В композициях Ринглера знакомые объекты (автомобиль, каноэ, буфет) помещены рядом с рематериализованными естественными формами, такими как водораздел Миссисипи, отлитый из железа, образуя скульптурный натюрморт в галерее.
Выставка Ринглера, помещенная в музейный контекст, говорит о человеческой потребности сохранять предметы, защищать моменты хрупкости и иллюстрирует наш самый глубокий потенциал к состраданию.
Ринглера сосредоточена на ландшафтной скульптуре и инсталляциях общественного искусства, привлекающих внимание к окружающей среде. Она училась в Университете Висконсина и получила степень МИД Техасского университета в Остине. Она преподает в Университете Миннесоты в городах-побратимах и входит в совет директоров Парка скульптур Франкония. Недавние выставки: Центр искусств Баском, Хайленд, Северная Каролина; Художественный музей под открытым небом Педвале, Латвия; и Художественный музей Вейсмана, Миннеаполис.Ринглер получил стипендию Макнайта 2017 года.
Эта выставка является частью программы выставок художников Миннесоты, которая сейчас находится в галерее банка США.
Щедрую поддержку MAEP обеспечивает:
Дополнительная поддержка со стороны RBC Wealth Management и анонимных доноров.